La artista mexicana Manuela Solano expone en Sevilla su obra: "Alien Queen/Paraíso Extraño"

Desde el pasado 28 de mayo del 2026 se está exhibiendo en el Centro Andaluz de Arte Contermporáneo (CAAC) de Sevilla la primera exposición individual en España de la artista mexicana Manuela Solano Lozano titulada "Alien Queen /Paraiso Extraño". Se trata de 36 piezas de gran formato en las que plasma a una serie de personajes del ambiente pop como Cher, Nina Hagen, Pink, Nosferatu, Sinéad O'Connor, Mónica Naranjo, el John Connor de Terminator 2 y E.T. en versión drag, pintados directamente con sus manos a causa de una ceguera sobrevenida por una serie de negligencias médicas en su tratamiento del VIH.

La artista trabaja directamente con las manos, prescindiendo del pincel como herramienta mediadora. Esta técnica sitúa el contacto físico con los materiales en el centro de su práctica. ‘La artista se reafirma en la idea de la pintura como algo mental, donde el gesto adquiere toda su plenitud. Solano parte de su propia experiencia regresando al espectador imágenes colectivas transformadas y creando un nuevo repertorio de iconos para quienes crecieron con ellos’, destaca Gilberto González, subdirector artístico del CAAC y del C3A, en su texto para el catálogo de la exposición

En la página web de la Galería Travesía Cuatro nos encontramos con una serie de párrafos que nos hablan del perfil biográfico de esta artista mexicana:

Manuela Solano (1987, Ciudad de México) creció en Satélite –en el área metropolitana de la Ciudad de México– rodeada de iconos de la metrópoli mexicana e imágenes pop, y en una búsqueda tácita de encontrar elementos que mostraran su propia subjetividad. A lo largo de su vida, ha trabajado con instalación, video y pintura. Su práctica artística ha estado siempre atravesada por experiencias autobiográficas en la que los personajes y los espacios son una muestra de sus propios intereses, anhelos e inseguridades. A los 26 años perdió la vista como resultado de una serie de negligencias médicas en su tratamiento de VIH. Esta urgencia artística irreparable llevó a la artista a construir un método que le permitió volver a pintar: sin poder ver el resultado y soltando el perfeccionismo que le caracterizaba para explorar el color y la figuración como ejercicio desafiante. Trabajando con los dedos, el recuerdo y las charlas que avivan los detalles que habitan la memoria, Solano crea pinturas que trascienden la imagen y se adentran en la intimidad de las políticas de la identidad. 

Manuela Solano estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, en Ciudad de México. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y ha sido expuesta en Londres, São Paulo, Miami, Ciudad de México y Seúl, entre muchas otras ciudades. 

Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Alien Queen /Paraíso Extraño en el CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, España y en el Museo Tamayo, CDMX (2025); Egogénesis, Travesía Cuatro, Madrid, ESP (2025); Pijama, Peres Projects, Seoul, KO (2023); Ancestry, Carlos/Ishikawa, Londres, UK (2022); The Top of Each Ripple, Dundee Contemporary Arts, Dundee, UK (2022); I Still Look Like A Model, Carlos/Ishikawa, Londres, UK (2022); Manuel Solano: Jacuzzi, Kunsthalle Lissabon, Lisboa, PT (2021); Heliplaza, curada por João Mourão y Luís Silva, Pivô, São Paulo, BR (2021); Portraits, Peres Projects, Berlin, DE (2018); I Don’t Wanna Wait For Our Lives To Be Over, curada por Alex Gartenfeld, Institute of Contemporary Art ICA, Miami, EEUU (2018); Oronda, Open Forum, Berlin, DE (2018); PUNCHIS PUNCHIS PUNCHIS PUM PUM PUNCHIS PUNCHIS PUNCHIS, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, MX (2016); Inherent Vice | Manuel Solano, Galería Karen Huber, Ciudad de México, MX (2015). 

Ha participado en distintas exposiciones colectivas, siendo las más recientes Pintura Enojada, Travesía Cuatro CDMX, MX (2024); Soft Touch, Sultana Summer Set, Arles, FR (2023); An AIDS Walkthrough, curada por Eric Lerouge y Samuel Perea Diaz, we are village, Berlin, DE (2023); Futurismo, Mendes Wood DM, São Paulo, BR (2022); Every Moment Counts – AIDS and its Feelings, Henie Onstad Art Center, Høvikodden, NO (2022); Seized by the Left Hand, curada por Eoin Dara y Kim McAleese, Dundee, Contemporary Arts, Dundee, UK (2022); City Prince/sses, curada por Hugo Vitrani, Palais de Tokyo, Paris, FR (2019); Visual AIDS, PARTICIPANT INC, New York EEUU (2019). 

La artista vive y trabaja en Berlín, Alemania. 

La exposición puede verse hasta el próximo 8 de noviembre del 2026 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), localizado en el numero 2 de la calle Américo Vespucio en la Isla de la Cartuja en Sevilla capital; en horario de martes a sábado de 11:00 a 21:00 horas y los domingos de 10:00 a 15:30 horas.

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"Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la colección Vicky y Marcos Micha Levy" en Madrid

Sin lugar a dudas, el siglo XX en nuestro país dio origen a muchos y muy importantes movimientos artísticos que tuvieron por resultado grandes obras que han quedado inscritas en la posteridad. Nombres de artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Francisco Toledo o Miguel Covarrubias —por sólo mencionar unos cuantos— son artífices de un movimiento artístico trascendente que integró y consolidó el arte moderno de México y, en general, de Hispanoamérica.

Desde principios de marzo y hasta fines de este mes de mayo se puede ver en la Casa de México en España, la exposición "Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la Colección Vicky y Marcos Micha Levy" que integra una interesante muestra de cien obras de artistas plásticos mexicanos que, por primera vez, se exhiben en suelo europeo. Comisariada por Taiyana Pimentel Paradoa, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) esta exposición, ubicada en la primera planta de la institución, es ampliamente recomendable y, además, la entrada es gratuita.

En la página web de la propia pagina web de la Casa de México en España podemos leer el siguiente texto que nos adentra en los detalles de la exposición:

Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la colección Vicky y Marcos Micha Levy, es una exposición que explora los momentos críticos y las historias rebeldes que marcaron la construcción del arte moderno en América Latina, con especial atención a México. 

Curada por Taiyana Pimentel Paradoa, la muestra reúne por primera vez en Europa una selección de cien obras de algunos de los grandes artistas de México, como Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Saturnino Herrán, Miguel Covarrubias, Francisco Toledo y Mathias Goeritz, entre otros. La exhibición propone un diálogo entre creadores que contribuyeron de manera decisiva a la construcción de la modernidad artística en el país, a través de la mirada de uno de los coleccionistas más audaces de México, Marcos Micha Levy. 

A partir de perspectivas diversas, la muestra traza el curso estético del arte en el continente americano, desde las vanguardias mexicanas hasta los movimientos cinéticos y surrealistas latinoamericanos, con énfasis en el encuentro parisino de varios artistas del continente. Asimismo, se abre a la producción de artistas norteamericanos durante su paso por México, evidenciando los cruces culturales que definieron el panorama artístico del siglo XX. 

La exposición propone una revisión crítica de la historia del arte moderno en México y América Latina, recuperando y revalorando figuras clave cuya presencia ha sido limitada en los relatos tradicionales de las vanguardias.

Les recordamos que la exposición estará abierta hasta el 31 de mayo del 2026 en Casa de México en España ubicada en el número 20 de la calle Alberto Aguilera en Madrid con el siguiente horario: lunes de 10:00 a 19:00 horas, martes a sábado de 10:00 a 21:00 horas y domingos de 10:00 a 14:00 horas.

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Edith Ruiz gana en España el premio al mejor retrato en la VIII Bienal de Pintura al Pastel

Mucho se habla de la pintura al óleo, de la acuarela y del carbón, pero se habla mucho menos de la técnica de la pintura al pastel. Según la Wikipedia, "...el pastel es una técnica pictórica del grupo de las llamadas técnicas secas, que no utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo, a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela. Se puede aplicar con tiza seca y como soporte papel de buena calidad y gramaje, color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil como para que se pueda usar sobre otras superficies (cartón, madera, tela, etc)."

Pues bien, nos hemos enterado que en días pasados se dio a conocer el palmarés de la VIII Bienal Internacional de Pintura al Pastel que se llevó a cabo en la ciudad de Oviedo en Asturias, España. Y la ganadora del primer lugar ha sido para la pintora mexicana Edith Ruiz con la obra "Reina Valentina" que muestra la imagen de una niña con traje y corona reales, con un hiperrrealismo que  se confunde con la fotografía. La muestra con las obras ganadoras y demás participantes podrá visitarse en la Sala Trascorrales de Oviedo hasta el 1 de Marzo y después en León del 11 de Marzo al 17 de abril y finalmente en Alicante del 24 de abril al 7 de mayo.

En su propia página web podemos encontrar unos párrafos que nos hablan un poco de la trayectoria profesional de la pintora mexicana:

Edith Ruiz, nació en la Ciudad de México; titulada en la carrera de Ciencias de la Comunicación y procedente de una familia de artistas. Comenzó sus estudios profesionales de pintura en 2012 en Ciudad de México. Poco después se apasionó por la técnica al pastel y decidió viajar a España e Italia para tomar talleres de retrato impartidos por grandes maestros pastelistas europeos mundialmente reconocidos. Esta se ha convertido en una práctica constante y la maestra Ruiz continúa perfeccionando su técnica asistiendo periódicamente a talleres en el viejo continente. 

Por la calidad y detalle de sus pinturas, en 2015 fue seleccionada como miembro de dos importantes asociaciones internacionales del pastel: ASPAS – Pintores Pastelistas Españoles y PASIT Pastellisti Italiani (Asociación PASIT Pastel Italiano) de las cuales es miembro hasta la fecha. 

El realismo en la técnica pastel es la tendencia principal en sus pinturas, sin embargo, su obra se caracteriza por que logra transmitir la esencia y la luz de cada ser plasmado en el lienzo, lo cual hace que su obra ya esté en el gusto de la gente y se encuentre presente en colecciones privadas.

Al hacer un repaso de su obra que aparece publicada en su página web y en su perfil de Instagram nos encontramos con una muestra de la extraordinaria técnica que aplica esta artista en sus cuadros al pastel con un manejo del hiperrealismo comparable con la fotografía.

 Desde este modesto espacio le enviamos nuestra más cordial felicitación y nuestros deseos para que siga cosechando logros no sólo en los escenarios mexicanos., españoles sino también alrededor del mundo.

¡Muchas felicidades! 

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La Dra. María de las Mercedes Sierra Kehoe ofrecerá dos interesantes conferencias en Madrid

Con un importante currículum que avala su larga y fructífera trayectoria académica y profesional María de las Mercedes Sierra Kehoe, doctora en Historia del Arte, es una destacada especialista en el área del muralismo mexicano del Siglo XX. Y precisamente ésta destacada investigadora mexicana ofrecerá en los próximos días dos interesantes conferencias que tendrán lugar en la capital española y que tienen mucho que ver con el área del conocimiento en torno al muralismo mexicano, su restauración y los procesos de investigación y divulgación a partir de las nuevas tecnologías.

Mañana, martes 25 de noviembre del 2025 a las 19:00 horas, tendrá lugar la conferencia "La transfiguración de un mural. Historia de un descubrimiento" en el Instituto Cultural de México en España y el sábado 29 de noviembre del 2025 a las 12:00 horas la cita será en la Sala de la Reina del Museo de América en donde ofrecerá la charla "Rafael Cauduro. Entre lo mural y la justicia social". Ambos eventos son gratuitos hasta completar el aforo.

En la página web de la UNAM dedicado al capítulo de los estudios de posgrado en Artes y Diseño, nos encontramos con una referencia extensa y detallada de la trayectoria académica y profesional de la Dra. Mercedes Sierra, de la que hemos seleccionado estos párrafos: 

A lo largo de estos últimos 5 años he trabajado intensamente manteniendo mi labor dentro de la Universidad Nacional Autónoma de México e intensificando de modo integral mis labores en diferentes ámbitos como son la docencia, la formación de recursos humanos, la investigación y la difusión. 

Mi trayectoria se ha consolidado y en este momento es reconocida tanto a nivel nacional como en el extranjero. 

Prueba de ello es mi permanencia en el Sistema Nacional de Investigadores como Investigador SNI nivel I evidencia de mi liderazgo en el área de investigación en Historia del muralismo en México, Arte monumental, Patrimonio y Restauración en el Arte Mural del Siglo XX.

Actualmente soy profesor de carrera “Titular C” definitivo PRIDE “C” dentro de la Facultad de Estudios Superiores Cuautitlán, mi actividad la he desarrollado dentro del área de Diseño y Comunicación Visual en la Facultad de Estudios Superiores Cuautitlán, así como en el posgrado en Artes y Diseño de la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México. 

Soy miembro del Sistema Nacional de Investigadores SNI con distinción como Investigador SIN-I. 

Así he sido nombrada evaluador CONACYT para Becas Pos-doctorales entre otras actividades dentro de este campo.

Les recordamos que serán dos las conferencias que dictará la investigadora: mañana 25 de noviembre a las 19:00 horas en el Instituto Cultural de México en España (Carrera de San Jerónimo, 46) y el sábado 29 de noviembre a las 12:00 horas en el Museo de América (Avenida Reyes Católicos, 6); ambos en la capital española.

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Se inaugura: "Ars Libris. Arte y libros en las colecciones de la Embajada de México en España"

Conocí a Eloy Barajas Martin hace más de 20 años cuando, iniciando la andadura del portal web Mexicanos en España, me puse en contacto con el Instituto Cultural de México en España para establecer nexos de comunicación. Desde entonces y hasta el pasado mes de febrero Eloy estuvo a cargo, entre otras muchas cosas, de la organización, cuidado y mejora de la Biblioteca Octavio Paz que atesora el acervo cultural de la Embajada de México en España. Y precisamente mañana se inaugura en sus instalaciones la exposición "Ars Libris. Arte y libros en las colecciones de la Embajada de México en España".

Desde el 20 de noviembre y hasta el 9 de enero del 2026 y curada por Diana Cuéllar Ledesma y Rodrigo Gutierrez Viñuales, en "Ars Libris" el público asistente podrá "...ver destacadas obras de arte moderno de la Embajada... así como también un homenaje y una invitación a conocer este centro de investigación, que está al servicio de los investigadores, bibliófilos y público general para su consulta".  La exposición cuenta con el apoyo del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En la propia página del evento dentro de la página del ICME nos encontramos con unos apuntes biográficos de los dos curadores de la muestra:

Diana Cuéllar Ledesma. Curadora, investigadora y profesora universitaria. Es profesora en la Universidad Iberoamericana de Puebla y del Máster PhotoEspaña. Desde 2023 colabora con el grupo de investigación “Vincular lo sagrado: corrientes espirituales en el arte latinoamericano y caribeño del siglo XX, 1920- 1970" en el Instituto Cisneros y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 2022 fue consultora de la editorial Phaidon para el libro ”Prime Art’s Next Generation". En 2023 asesoró a la misma editorial para el volumen "Artistas Latinoamericanos: de 1785 a la actualidad" en el que también participa como escritora. 

Rodrigo Gutiérrez Viñuales. Profesor, investigador y curador. Catedrático de Arte Latinoamericano en la Universidad de Granada. Miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes y la Academia Nacional de la Historia (Argentina). Autor de numerosos libros y ensayos sobre arte latinoamericano. Fue curador de las exposiciones “Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna” en la Fundación Juan March (2023-2024) y “Del Neo al Pop. Arquitectura contemporánea de raíz precolombina” en Casa de América (2024).

La exposición estará abierta del 20 de noviembre al 9 de enero del 2026 de lunes a viernes en un horario de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas. Les recordamos que el Instituto Cultural de México en España se encuentra en el número 46 de la Carrera de San Jerónimo justo enfrente del Congreso de los Diputados en el centro de Madrid.

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Hay un nuevo ámbito cultural mexicano en la Comunidad de Madrid: Galeria Pixan de Maiz Maya

Descubrir nuevos espacios en la península ibérica en donde se pueda ver el arte y la esencia del espíritu mexicano ha sido parte de nuestro trabajo desde hace casi 22 años. Y cuando nos topamos con alguno de ellos inmediatamente le damos difusión para que, no sólo los propios paisanos puedan ubicar esos puntos geográficos en donde poder recargar las baterías de la mexicanidad, sino también para que los españoles y el resto del público conozcan otro ámbito en donde conocer el verdadero sabor de nuestro país.

Es el caso de la Galería Pixan —o Pishán, como se pronuncia en lengua maya— que significa “alma” o “espíritu” y que se encuentra dentro de las instalaciones de la fábrica de tortillas Maíz Maya en la calle Calabozos número 5 en el municipio madrileño de Alcobendas. Desde el pasado 28 de mayo se ha inaugurado este nuevo espacio cultural con la exposición "Los hombres del maíz" del artista oaxaqueño José Montes Nicolás, que consta de 6 retratos en técnica mixta —tinta aguada, dorados, acrílicos y acuarela— que exploran la simbología del maíz en la cultura mexicana y rinden homenaje visual a los campesinos, a la tierra y al maíz. Edgar Reyes, CEO de Maíz Maya ha comentado que: "queremos que Galería Pixán sea un punto de encuentro entre creadores, comunidad y cultura; un lugar donde distintas voces puedan dialogar desde su sensibilidad y herencia."

José Montes Nicolás y Edgar Reyes

Paula Feregrino Corona, responsable de comunicación de Maíz Maya, nos ha proporcionado los siguientes apuntes biográficos del artista oaxaqueño:

José Montes Nicolás. Pintor y artista plástico mexicano, originario de Oaxaca. Creció contemplando los paisajes, costumbres y tradiciones de los pueblos zapotecas, una experiencia que alimentó su pasión por preservar la memoria comunitaria y la calidez humana que caracteriza su obra. Estudió en la Academia de San Carlos (UNAM) y en la Escuela de Artesanías del INBA, especializándose en metalistería. En 2005 se estableció en Barcelona, donde concluyó su formación y se integró al circuito artístico europeo. Ha expuesto en España, Francia, Irlanda, Italia, República Checa, Alemania, Perú, Dubái, Estados Unidos y México, y ha realizado intervenciones de arte urbano y efímero. Su obra —óleos, acuarelas, dibujos y esculturas— combina la tradición oaxaqueña con influencias de Rufino Tamayo, Francisco Toledo y la escuela realista europea. Entre sus hitos destacan el retrato documentado del naturalista novohispano José Mariano Mociño (2020) y su proyecto Los Hombres del Maíz, expuesto en diferentes ciudades como Praga y Barcelona, y ahora en Madrid, reforzando el puente cultural entre México y España.

La exposición podrá verse hasta la penúltima semana del mes de septiembre del 2025 en la Galeria Pixan ubicada en el número 5 de la calle Calabozos en Alcobendas al norte de Madrid —a 10 minutos a pie de la estación de metro La Granja (Linea 10), de lunes a viernes de 9:00 a 19:00 horas y los sábados de 10:00 a 15:00 horas.

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"Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España" se presenta en el Museo del Prado

Siempre me ha llamado la atención el número de imágenes de Nuestra Señora de Guadalupe que uno puede encontrar cuando se visitan las distintas y numerosas iglesias que hay diseminadas a lo largo y ancho de la geografía española.  Incluso en alguna pequeña ermita de cierto pueblo muy apartado se puede llevar uno la sorpresa de encontrarse con su imagen, grande o pequeña, en alguna de sus paredes. Pues bien, desde el pasado mes de junio tiene lugar en ese maravilloso ámbito que es el Museo del Prado en la capital española la exposición "Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España" que reúne, en las salas C y D del edificio Jerónimos,  alrededor de 70 piezas artísticas que registran la iconografía de la Patrona de México.

La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un "icono revelado". La exposición explora su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.

En la página web del propio Museo del Prado, nos encontramos con un texto explicativo de la exposición, del cual entresacamos estos párrafos:

“Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España” ofrece una nueva mirada sobre el papel de la Virgen de Guadalupe como imagen revelada, objeto de culto y símbolo de identidad en el ámbito hispano. A través de casi setenta obras entre pinturas, grabados, esculturas y libros, la exposición muestra cómo esta figura religiosa, surgida en el cerro del Tepeyac en 1531, trascendió las fronteras novohispanas para convertirse en una presencia poderosa en el imaginario colectivo español. 

El proyecto, comisariado por los doctores mexicanos Jaime Cuadriello (UNAM) y Paula Mues Orts (INAH), es fruto de años de investigación y colaboración entre instituciones, y se estructura en once secciones temáticas, combinando piezas de pequeño y gran formato, para mostrar desde las primeras representaciones de las apariciones, hasta las sofisticadas "vera effigies" reproducidas con fines devocionales o políticos. 

El recorrido arranca con una cartografía visual que documenta la sorprendente densidad de imágenes guadalupanas distribuidas por toda la geografía española. Esta dispersión responde a factores económicos, sociales y políticos como el comercio con las Indias, la minería y el trasiego de funcionarios virreinales. Las obras reflejan tanto la devoción como los intereses de comunidades, artistas, comerciantes, nobleza y clero, que hicieron de Guadalupe una devoción compartida.

La exposición podrá verse en la capital española hasta el próximo 14 de septiembre del 2025, por lo que aún hay tiempo para aprovechar la oportunidad de disfrutar de esta muestra iconográfica de la Patrona de México.

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Jazzamoart, artista mexicano, presenta "El Bop del Greco": todo un homenaje al pintor cretense

Imaginemos por un momento el famoso cuadro "El caballero de la mano en el pecho" del pintor cretense El Greco posando junto con un saxofón que bien podría haber sido de Charlie Parker, Dexter Gordon o Sonny Rollins. Asi pues ésas y otras fantasías, en las que se han unido imágenes de pinturas clásicas con elementos del el estilo jazzistico del BeBop, se presentan en Toledo bajo la autoría del artista mexicano Jazzamoart y con el título de "El Bop del Greco" en el sitio conocido como "El laberinto del Rey" en las afueras de la ciudad castellano-manchega.

Desde el pasado jueves 15 de mayo del 2025 y hasta mediados de agosto se podrá ver "El Bop del Greco" en el horario de apertura habitual del centro que lo aloja: miércoles y jueves de 13:00 a 18:30 horas; viernes, de 13:00 a 1:00 horas y domingos de 12:30 a 18:30 horas. El título de la exposición hace referencia al término Bop, que se enmarca dentro de la música, ya que es un estilo de jazz caracterizado por ritmos complejos e improvisación. Por lo tanto, ese Bop se convierte en el eje de la composición, haciendo un homenaje y una reinterpretación de las obras de El Greco, a las que suma su acento estético propio.  Son 24 cuadros, tanto en óleo como en acrílico.

En la página web de la Enciclopedia virtual Wikipedia, podemos encontrar estos apuntes biográficos del artista irapuatense:

Jazzamoart (Francisco Javier Vázquez Estupiñán) (Irapuato, Guanajuato, 28 de mayo de 1951) es un pintor y escultor mexicano que desde la década de los años setenta ha trabajado permanentemente en la teoría y práctica de la sinestesia entre la música y la pintura. La obra de Jazzamoart, que esta llena de gozo, mexicanismos, garabatos y fuerza, es contenedora de una personalidad poderosa y un lenguaje gestual, siendo apreciada y reconocida en México, Canadá, Estados Unidos, Sudamérica, Europa y Asia. Pertenece a la generación de los cincuenta de la pintura mexicana, grupo posterior a La Generación de la Ruptura. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana y del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca de 1993 al 2000.

Se trata de una exhibición gratuita. El Laberinto del Rey se encuentra en las afueras de la ciudad de Toledo en el conocido como Paseo de la Rosa sin número, a pocos metros de la estación de Renfe.

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La muestra "BN FABRE" de la artista mexicana Patricia Fabre, se expondrá en el ICME en Madrid

Las iniciales "BN" nos remiten, en este caso, a las palabras "blanco y negro". Y sí, en ésta exposición abundan los impactantes dibujos monocromáticos de la artista mexicana Patricia Fabre que se inaugurará en Madrid la próxima semana.  Desde el Instituto Cultural de México en España (ICME) nos invitan a la ceremonia de inauguración de la exposición "BN FABRE" que tendrá lugar en sus instalaciones el próximo martes 6 de mayo del 2025 a las 19:00 horas.

Patricia Fabre. Artista mexicana. Ha participado en más de 60 exposiciones individuales y colectivas. Sus piezas participaron en la II y III edición de la Bienal del Pacífico de Pintura y Grabado “Gauguin”. En fechas recientes, ha expuesto en espacios como la Galería de Arte del Palacio Municipal de Puebla, el Museo de la Memoria Histórica Universitaria. Centro Cultural Indianilla y el Museo Internacional del Barroco. En los últimos años ha dedicado buena parte de su producción artística a la elaboración de libros de artista.

En la página del evento dentro del Portal del ICME nos encontramos con unas palabras del diseñador y artista mexicano Germán Montalvo respecto a la artista y la exposición que presenta ahora:

Un plano craquelado, hecho al pulso de Patricia Fabre, en negro sobre fondo blanco, en sus múltiples libretas, hojas sueltas, bastidores, dibujos emplazados incluso en relieve metalizado, es lo que define la pureza y la fibra del trabajo de esta artista mexicana que delata su motivación: lo lineal.

BN FABRE, es un acercamiento a lo que precede la obra cromática de Patricia Fabre, es lo que da significado a un lenguaje artísticamente particular, sus líneas definen su alfabeto visual, lo hace universal. No es cosa fácil, suscribirse como artista desde lo lineal es uno de los grandes méritos, primero por lo monocromático, y enseguida por el volumen que adquieren los diferentes planos, hay en su lenguaje bidimensional un sonido tridimensional que invita a recorrer esos espacios, esos pasillos, es decir: no ir a un laberinto, sino recorrer visualmente su trazo, que no sabemos a que espacio nos conduce, pero, si ponemos nuestro dedo índice sobre uno de esos huecos y lo desplazamos hacia el frente, hacia abajo o apuntamos a cualquier otro lugar nos daremos cuenta que la obra de arte ya cumplió su función: pasear por sus diferentes fronteras sonoras. Mucho de lo que está detrás de cada uno de sus dibujos está intrínsecamente ligado a lo musical.

BN FABRE, se presenta en el Instituto Cultural de México en España, aquí se muestra la versión de un conjunto de dibujos en blanco y negro y una serie sublime de platos producidos en la cerámica de talavera, éste es tan solo un ejemplo del poder visual de su alfabeto, que radica en la posibilidad de aplicación en cualquier soporte. El grupo de estos platos adquiere inmediatamente el valor con el que sueña todo objeto: gustar y emocionar.

Fabre ya nos condujo con sus diferentes líneas a los rincones en los cuales igualmente los visitantes inspirados en la única pieza que tiene color, podrán colorear con toda libertad esos huecos blancos entre sus múltiples líneas en el catálogo de la exposición, la artista acepta la transgresión como un acto de complicidad.

La exposición estará abierta hasta el 6 de junio del 2025 en el Instituto Cultural de México en España, localizado en la Carrera de San Jerónimo, 46, como parte de la Embajada de México en España. El horario de visita será de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas.

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El colectivo mexicano Marcelaygina presentará obras en "Ginocrítica" en dos galerías en Madrid

Dos galerías: una española Galería Freijo y una mexicana Galería Emma Molina se unen para presentar al mismo tiempo y en dos sedes distintas dentro de Madrid, la exposición "Ginocrítica" que acoge la obra de 6 artistas de varios países, de entre las que destacamos al colectivo mexicano Marcelaygina. Estas dos galerías hacen un proyecto conjunto y colaboran a su vez, con una galería de Barcelona (Rocío SantaCruz), de esta manera se tejen puentes y las expresiones artísticas se universalizan, trascendiendo barreras y conectando a las personas a escala global. La muestra estará abierta del 22 de febrero al 15 de marzo del 2025 en estas dos direcciones: c/Zurbano 46 y c/Jovellanos 6 en la capital española.

La ginocrítica, término acuñado por Elaine Showalter en su ensayo “Hacia una poética feminista”, se plantea originalmente como un estudio crítico de la literatura femenina ideado para ir más allá de la denuncia de la dominación patriarcal, centrándose en desenterrar y crear una tradición, y por ende una subcultura, que perteneciese a las mujeres y que girase enteramente en torno a ellas, sin la influencia de los códigos literarios masculinos convencionales. Esta exposición comparte ese mismo interés a través de las obras de 6 mujeres, muy distintas, radicales …. Con obras que abordan, desde lo conceptual, performático y contemporáneo, un discurso similar pero en el terreno de lo plástico.

En el dossier de prensa que ha elaborado la propia Galería Freijo podemos encontrar los siguientes datos del colectivo artístico mexicano que estará presente en la exposición:

Colectivo MARCELAYGINA | MX, 1997/2010 

Integrado por las artistas Marcela Quiroga (Monterrey 1970) y Georgina Arizpe (CDMX, 1972), el colectivo MARCELAYGINA tuvo una trayectoria de más de una década, entre los años 90s y hasta el 2010. La mayoría de su producción se concentró́ en el uso del cuerpo como herramienta artística, valiéndose de distintas manifestaciones como performance, ready-made y happening. Su objetivo fue crear imágenes a través de las acciones que quedaban registradas en fotografía, video, o en una transmisión efímera. Hasta el día de hoy, sus obras resultan adelantadas a la época, atrevidas y críticas hacia distintas situaciones sociales.

Durante su tiempo activo, las artistas mostraron su trabajo en México, España, Francia, Polonia, Alemania, Colombia, Argentina y Estados Unidos. La única revisión de carrera sobre el colectivo fue en el 2010 con la exposición Check Point (Punto de control), en el Museo de Arte Carrillo Gil en Ciudad de México, bajo la curaduría de Taiyana Pimentel. En 2023, el museo MARCO de Monterrey presentó una exposición en la que rescató el archivo de este colectivo.

En esta ocasión y por primera vez, ponemos en dialogo estas obras históricas del Colectivo Marcelaygina con otras obras, las mas actuales, sobre los feminicidios en España de la autora Gina Arizpe.

La exposición estará abierta del 22 de febrero al 15 de marzo del 2025 en estas dos direcciones: c/Zurbano 46 y c/Jovellanos 6 en Madrid.

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Arte moderno mexicano de la Colección Blaisten se presenta ahora en Casa de México de España

Desde el pasado 26 de septiembre del 2024 se puede disfrutar en la Casa de México en España de la exposición "Arte moderno de México. Colección Blaisten" que exhibe uno de los acervos particulares más relevantes de arte moderno de México. La muestra acoge obras de artistas mexicanos tan trascendentales como Diego Rivera, María Izquierdo,  David Alfaro Siqueiros, Dr. Atl, José Clemente Orozco, Saturnino Herrán o José Guadalupe Posada.

Comisariada por Daniel Garza Usabiaga, presenta una lectura innovadora de esta colección a través de las ideas de Margarita Nelken, intelectual española exiliada en México que enriqueció el debate cultural y complejizó las discusiones sobre el arte en el país. En la lectura Garza Usabiaga se aprecia la visión de Nelken sobre la evolución del arte moderno mexicano, su critica a la institucionalización de ciertos estilos y su apoyo a la diversidad artística, a los vínculos con referentes históricos y locales.

En la propia página web de la Casa de México en España se puede ver el siguiente texto explicativo que nos adentra en los detalles de la exposición anunciada:

Arte Moderno de México presenta una selección de 64 obras de la colección en pintura y escultura de algunos de los artistas modernos más importantes del país: Diego Rivera, María Izquierdo, Dr. Atl, Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Saturnino Herrán, José Guadalupe Posada, entre otros. La muestra exhibe once obras de carácter patrimonial, algunas de estas: Alegoría de México de José Clemente Orozco, Alacena de María Izquierdo, La noche de los rábanos de Diego Rivera, Retrato de Nora Beteta de David Alfaro Siqueiros, Joven con calabaza de Saturnino Herrán, Vista del Popocatépetl de Dr. Atl.

El punto de unión entre la autora y el coleccionista es el estudio e interés de las prácticas artísticas que se dieron al margen del muralismo, durante la primera mitad del siglo XX. Esta exposición, por tanto, abarca el desarrollo del arte moderno en México desde los años cuarenta hasta el fallecimiento de Nelken en 1968.

Nelken reconoció el valor de la vanguardia del muralismo, pero fue critica con la institucionalización de la estética. Prefería otra pintura que se dio al margen del muralismo.

Se busca presentar algunas de sus perspectivas sobre el arte moderno de México, las características que veía como distintivas y originales. La autora siempre defendió una postura anti –académica como líneas de investigación con una perspectiva con preocupaciones humanísticas.

La exposición estará abierta hasta el próximo 16 de febrero del 2025 en las instalaciones de la Casa de México en España ubicadas en el número 20 de la calle Alberto Aguilera, muy cerca de la estación de metro San  Bernardo en la capital española.

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Se lanza convocatoria a artistas mexicanos en Galicia para presentar obras sobre la lucha libre

Desde hace muchos años existe una gran afición en México que sigue las actividades de la Lucha Libre allá por donde quiera que se presente. No sólo entre la gente adulta sino incluso entre niños y jóvenes se sigue, con verdadera idolatría, a las estrellas de este genero que mezcla el deporte y el espectáculo. Grandes ídolos del cuadrilátero como Santo el enmascarado de plata, Blue Demon, Mil Máscaras, Huracán Ramírez, Octagón, Perro Aguayo y muchos más, han proyectado su fama no solo en el ring, sino en películas, televisión, tiras cómicas, videojuegos y toda clase de juguetes.

Pues bien, la Comunidad de Mexicanos en Galicia ha publicado en su grupo de Facebook la convocatoria que lanza a los artistas mexicanos afincados en Galicia a participar en un  proyecto que suena muy interesante. Se trata de conformar una colección itinerante con obras artísticas, que pueden ser pintura, escultura, cerámica, joyas, cristal, madera, bordados, fotografía, etc.; solo piden que sea con temática de lucha libre. Más información podrán obtenerla en el siguiente correo electrónico: mexicanosengalicia@gmail.com

Ellos mismos en su pagina de Facebook lo expresaron de la siguiente manera:

¡Qué emocionante! Desde Mexicanos en Galicia lanzamos nuestra primer convocatoria dirigida a los artistas radicados en Galicia. Esta oportunidad para presentar obras plásticas, esculturas, fotografías, joyas, bordados, etc con temática de lucha libre es una excelente manera de fomentar la creatividad y la expresión artística. Si eres un artista mexicano en Galicia, ¡no dudes en participar!
Aquí tienes los detalles clave:
Convocatoria abierta: Desde hoy hasta el 1 de septiembre de 2024.
Temática: Lucha libre. ¡Una oportunidad para explorar la pasión y la energía de este deporte espectacular!
Informes: WhatsApp: +34 698 144 169
Correo electrónico: mexicanosengalicia@gmail.com
¡Espero que muchos artistas se animen a participar y muestren su talento!

Pues bien, esperamos que la convocatoria tenga muy buena respuesta para que esa colección itinerante se pueda ver no sólo en Galicia sino en el resto del territorio español.

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"Alfredo Castañeda, pintor de poesía" se presenta a partir de mañana en Casa de América en Madrid

Sin lugar a dudas su pintura es muy especial. Los personajes que aparecen en sus cuadros poseen una mirada enigmática, hipnótica, que atrapan inmediatamente al espectador y lo trasladan a un universo que puede ser muy simple, pero al mismo tiempo misterioso y críptico. Nos referimos a la obra del pintor mexicano Alfredo Castañeda Iturbide que nació en la Ciudad de México en 1938 y que falleció en Madrid en el año 2010. El pintor era amante de la lectura de textos místicos que enriquecían su gran imaginación. Alfredo en su obra manifiesta una solemnidad aparente, un humor como ese peculiar humor inglés, un jugar con la realidad sin compromisos y sin seriedad.

Y ya que estamos hablando de exposiciones, mañana miércoles 12 de junio del 2024 a las 19:00 horas tendrá lugar la inauguración de la muestra "Alfredo Castañeda, pintor de poesía" que podrá verse hasta el 7 de septiembre del 2024 en las salas Guayasamín y Torres García de la Casa de América en Madrid, ubicadas en el número 2 de la calle Marqués de Duero, a pocos pasos de la famosa Fuente de la Cibeles en la capital española. La exposición esta comisariada por Marina Castañeda, nieta del artista.

En la página web de la Casa de América y específicamente en la página que hace referencia a esta exposición, nos encontramos con un texto del escritor, ensayista y académico mexicano Gonzalo Celorio que nos ilustra a la perfección el talento de este pintor:

La pintura de Castañeda es poética en el sentido más amplio de la palabra: su belleza provoca en el espectador, como toda verdadera poesía, una respuesta inefable que ilumina con prístina claridad las zonas oscuras del alma. Nadie pensaría que la pintura es un arte verbal o discursivo, aunque muchos pintores, en sus cuadros, “cuentan” historias, “aluden” a leyendas, “escriben” alegorías, “discurren” por pasajes históricos o mitológicos… Ciertamente, los cuadros “hablan”. (...) Pues bien, los cuadros de Alfredo Castañeda podrían caracterizarse por el misterioso silencio que emanan y por la consecuente apertura de su significación íntima y profunda.

Definitivamente es una exposición digna de visitar y descubrir, Estamos seguros que la experiencia no los defraudará.

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Importante homenaje al pintor novohispano Miguel Cabrera en el Museo de América de Madrid

Durante los meses de mayo a octubre del 2024 tendrá lugar en las instalaciones del Museo de América de Madrid la exposición "Miguel Cabrera. Las reglas del arte de un pintor novohispano" sobre la vida y obra el pintor nacido en Oaxaca en 1695 y que esta considerado como uno de los máximos exponentes de la pintura barroca en la Nueva España. No es propiamente una exposición al uso, sino que serán un conjunto de actividades de las que iremos dando cuenta a lo largo de las próximas semanas.

Serán actividades de todo tipo, desde conferencias en las que participarán grandes maestros en pintura novohispana del siglo XVIII, hasta encuentros profesionales, de la mano de expertos en diferentes disciplinas. Tendremos también visitas guiadas por las propias comisarias de la muestra y por nuestras mediadoras culturales, talleres infantiles en que los más pequeños se sentirán pintores barrocos, y una masterclass en la que el pintor Jacobo Alcalde explorará el proceso creativo de Miguel Cabrera

El propio Museo de América ha preparado una carpeta con la información relativa a esta exposición y del cual hemos entresacado este texto que nos ha parecido muy interesante:

Miguel Cabrera se considera el máximo exponente de la pintura del siglo XVIII en el Virreinato de la Nueva España. A caballo entre la tradición gremial y la académica, su obra gozó del éxito y la consideración de la corte, la iglesia y la alta sociedad mexicana. Cultivó muchos géneros pictóricos, como los famosos cuadros de castas (de los que el Museo de América custodia ocho), conjuntos de vidas de santos, ciclos marianos, retratos... Su calidad se manifiesta en el minucioso estudio de los personajes y los materiales, sus diseños originales y el colorido de las telas que visten sus personajes, así como la belleza y dulzura de sus retratos. Por ello, esta exposición incorpora distintas obras del artista, como un homenaje a su talento y prolífica carrera.

Intentaremos dar cuenta en este espacio de las actividades que se irán sucediendo en relación a esta importante exposición para que todos aquellos interesados puedan asistir.

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Alberto Penagos, un pintor mexicano que realiza en España un tipo de "pintura figurativa realista"

De vez en cuando nos vamos enterando de la llegada de ciertos mexicanos a España. Paisanos que. por una u otra razón, merecen que su historia sea dada a conocer, porque de eso trata este espacio: de historias importantes y, sobre todo, huellas que los mexicanos en España vamos haciendo en éste país. Así las cosas, el otro día me enteré de la presencia del pintor mexicano Alberto Penagos en España. Un joven artista con varios años de trayectoria y con un importante portafolio de impactante obra plástica.

Colaborador en cierto momento del genial pintor mexicano Rafael Cauduro,  Alberto Penagos explora el cuerpo humano desde una perspectiva que él mismo califica como "pintura figurativa realista" y propone diversos puntos de vista que no dejan inmóvil al espectador. Desde hace unos meses se ha trasladado a vivir a España y hemos querido conocer un poco más de él y su vida, por lo que le hemos propuesto unas cuantas preguntas que amablemente nos ha respondido y que ahora compartimos aquí con ustedes:

Aquí transcribimos las preguntas y respuestas de la entrevista que le hice al pintor Alberto Penagos:

¿Dónde y cuándo naciste?
Nací en la Ciudad de México el 22 de octubre de 1988.

 ¿Cuáles han sido tus estudios?
Estudie la Licenciatura de Diseño Grafico en la Universidad Internacional UNINTER en Cuernavaca, Morelos.

¿A qué te dedicabas en México?
Siempre he dedicado mi vida profesional a las artes plásticas. Específicamente a la pintura y al dibujo. Comencé a pintar a los 16 años de edad y, aunque estudie diseño grafico, jamás la ejercí. Mas bien fue una decisión tomada puesto que no me dejaron estudiar la carrera de artes dado los prejuicios que tiene. Sin embargo, he conseguido vivir de la pintura desde los 19 años de edad, sin un plan B y con muchísima dedicación y pasión por lo que hago.

¿Desde cuándo estás en España?
Llegue a España en noviembre del 2023, aunque ya había estado aquí diez años atrás. Esos diez años estuve desarrollando proyectos en México antes de volver a Espala de manera definitiva.

 ¿Cómo es que has venido a establecerte en España?
Cuando vine hace diez años, formé vínculos en mi medio tanto de amigos queridos como de proyectos artísticos que me hicieron volver. Fue un proceso de varios intentos que por una u otra razón me hicieron quedarme en México 10 años. Sin embargo, siempre tuve firme la decisión de volver a España.

 ¿Has tenido alguna dificultad para establecerte en España?
 Afortunadamente no. Ni ahora, ni la vez anterior. Si bien es cierto que hay muchas cosas que han cambiado con el tiempo (en todo el mundo) España siempre me ha recibido con los brazos abiertos.

 ¿A qué te dedicas en España?
En España me dedico a mi obra. Tengo una actividad docente secundaria unas horas a la semana, sin embargo mi profesión pictórica es de la que vivo y viviré siempre.

 ¿Cómo definirías el tipo de pintura que realizas?
 Es complejo ponerle una definición puntual. Siempre me he enfocado a la pintura realista, sin embargo no es un realismo clásico. Mezclo diversos materiales para generar nuevos "cómo" que a su vez me hagan generar resultados visuales que mantengan el interés propio en mi trabajo. Aunque si tuviera que poner una definición concreta, tal vez diría "pintura figurativa realista".

 ¿Cuál es el panorama de un pintor joven como tú en Europa y específicamente en España?
España tiene muchas grandezas. Es un país históricamente rico en pintura. Han habido muchos grandes artistas a los cuales estudio regularmente yendo a los museos. Pero también es un país donde, por todo lo dicho anteriormente, me siento muy cómodo y feliz. Y al mismo tiempo, esta muy cerca de centros neurálgicos y movimiento del mercado del arte no solo en España sino en Europa en general.

 ¿Qué diferencias encuentras entre la pintura mexicana y la que se realiza en Europa, específicamente en España?
Hay modos de hacer e intereses muy diferentes. La concepción de la pintura desde aspectos técnicos como el color es muy diferente respecto a como se concibe no solo en México, sino en Latinoamérica. Así mismo, las diferencias conceptuales también son otras, puesto que las realidades de ambos países son distintas.

 ¿Cómo solucionas la nostalgia por México estando en España?
Realmente no tengo nostalgia por México. Creo que cada lugar tiene sus grandezas propias y hay que disfrutarlas en el momento presente para no extrañar.

 ¿Piensas residir definitivamente en España o planeas regresar a México en un futuro?
Sí, radicare permanentemente aquí en España. Aunque no rompo vínculos con México, porque además de lazos familiares, tengo proyectos y vínculos profesionales que me harán volver intermitentemente para allá.

Es interesante conocer los puntos de vista de un artista que lleva 20 años plasmando en sus cuadros su personalísima propuesta creativa, ahora establecido ya en España.

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"Encuentro de pintoras mexicanas", interesante coloquio que tendrá lugar en el Museo de América

Hablar de las pintoras mexicanas es bucear en un océano amplio y profundo de numerosas mujeres exponentes del arte pictórico. Quizá el primer nombre que se nos viene a todos inmediatamente es el de Frida Kahlo, pero no es ni la única ni la más sobresaliente. Antes que a ella, podríamos mencionar excelentes pintoras en el panorama mexicano como María Izquierdo, Remedios Varo, Olga Costa, Angelina Beloff, Irma Palacios o Leonora Carrington por sólo mencionar algunas pocas. Realmente el universo femenino de la pintura mexicana es amplio y harto interesante de comentar y disfrutar.

El próximo sábado 16 de marzo del 2024 a las 12:00 horas tendrá lugar un interesante coloquio titulado "Encuentro de pintoras mexicanas: Retos, alcances y trascendencia de género" que tendrá lugar en la Sala La Reina del Museo de América, ubicado en el número 6 de la Avenida de los Reyes Católicos, muy cerca de la estación de metro Moncloa.  El coloquio contará con la presencia de Dina Comisarenco, Cecilia Villaseñor y Carmina Reyes Maya.  Actuando como coordinadora y moderadora estará la galerista Yuri López Kullins.

En la propia página del Museo de América podemos encontrar el siguiente texto que nos habla del coloquio que tendrá lugar ahí el sábado 16 de marzo:

En marzo acogemos un nuevo encuentro centrado en las pintoras mexicanas. El objetivo es profundizar en su conocimiento, desentrañar los misterios de sus obras y poner en valor los retos a los que se tuvieron que enfrentar para poder ejercer esta profesión.

En un encuentro moderado y coordinado por Yuri López, las ponentes serán tres académicas de gran trayectoria: en un primer lugar, Dina Comisarenco, Dra. en Historia del Arte planteará su conferencia "Vencer el "delito" de nacer mujer" en la que explicará cómo, muchas veces, por el hecho de ser mujer estas pintoras se vieron relegadas a un segundo plano a pesar de su calidad artística.

En una segunda intervención, Cecilia Villaseñor, Dra. en Migraciones Internacionales, dará la conferencia “Resistencias femeninas en la pintura mexicana”.

Para finalizar estará con nosotros Carmina Ramírez Maya, Dra. en Historia, quien centrará su ponencia en las “Pintoras mexicanas del siglo XX, logros y retos, una muestra retrospectiva”.

¿Te lo vas a perder? 

Les recordamos que la cita será el sábado 16 de marzo del 2024 a las 12:00 horas en la Sala La Reina del Museo de América. La entrada es gratuita pero el aforo es limitado por lo que habrá que ir temprano para poder tener acceso al evento.

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El artista mexicano Bosco Sodi presenta "El día que nos volvimos a encontrar" en pleno Madrid

Cuando nos referimos al artista mexicano Bosco Sodi, nacido en la Ciudad de México en el año 1970, es prácticamente imposible no destacar la enorme cantidad de lugares alrededor del mundo en donde su obra ha sido expuesta. No sólo de manera individual sino como parte de exposiciones colectivas, destacando siempre por la originalidad de su propuesta creativa. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas. Y varias ciudades de España también han sido testigos de la obra de este artista chilango.

Ayer 5 de marzo del 2024 se inauguró en Madrid la exposición "El día que nos volvimos a encontrar" de Bosco Sodi. Y la propia sala de arte lo expresa así: Galería Hilario Galguera Madrid se complace en presentar la exposición El día que nos volvimos a encontrar del reconocido artista mexicano Bosco Sodi. La muestra, compuesta por diez cuadros de tamaño idéntico (65 cm x 81 cm), se sumerge en la profundidad de la oscuridad y la búsqueda estética que caracteriza la obra de Sodi. La exposición es una continuación de la exploración artística única de Bosco Sodi, quien ha dejado una huella imborrable en la escena internacional del arte contemporáneo. 

La propia Galería Hilario Galguera publicó un boletín de prensa del cual hemos seleccionado el siguiente texto sobre el artista mexicano:

Bosco Sodi (México, 1970) es conocido por sus pinturas a gran escala de ricas texturas y colores vivos. Sodi ha descubierto un poder emotivo dentro de la crudeza esencial de los materiales que utiliza para ejecutar sus pinturas. Centrándose en la exploración material, el gesto creativo y la conexión espiritual entre el artista y su obra, Sodi busca trascender las barreras conceptuales. 

Sodi deja muchas de sus pinturas sin título, con la intención de eliminar cualquier predisposición o conexión más allá de la existencia inmediata de la obra. La obra en sí se convierte en un recuerdo y una reliquia simbólica de la conversación del artista con la materia prima que trajo la pintura a la creación. Las influencias de Sodi van desde l’art informel, mirando a artistas como Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, hasta maestros coloristas como Willem de Kooning o Mark Rothko y sus tonos brillantes de su herencia nativa.

La exposición podrá ser vista hasta el próximo 25 de mayo del 2024 en las instalaciones de la Galería Hilario Galguera ubicadas en el numero 12 de la calle Doctor Fourquet, muy cerca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

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"Germán Montalvo. Diseño gráfico para la cultura" se inaugura en el Instituto de México en España

Se anuncia por todo lo alto la inauguración de la exposición "Germán Montalvo. Diseño Gráfico para la cultura" que tendrá lugar en las instalaciones del Instituto Cultural de México en España, ubicadas en el número 46 de la Carrera de San Jerónimo, justo enfrente del Congreso de los Diputados en la capital española. La cita será el próximo jueves 29 de febrero del 2024 a las 19:00 horas y contará con la presencia del artista y diseñador veracruzano Germán Montalvo ganador, entre otros reconocimientos, del Premio Benjamín Franklin otorgado por la Cámara de la Industria Editorial de los EE. UU.

El Instituto Cultural de México en España presenta la primera exposición individual del diseñador gráfico mexicano Germán Montalvo en España. “Germán Montalvo. Diseño gráfico para la cultura” nos invita a recorrer 50 años de trayectoria de uno de los diseñadores más importantes de México, cuyo trabajo abarca desde el cartel de cine hasta la joyería, pasando por el diseño editorial y la cerámica. Como se puede observar en las piezas seleccionadas para esta exposición, los diseños de Montalvo son contemporáneos y atemporales, y su esencia multidisciplinar nos permite identificar el importante papel que juega el diseño gráfico en múltiples y diversos espacios de nuestra vida cotidiana.

En la propia información que publica el ICME podemos leer algunos apuntes biográficos del artista y diseñador mexicano:

Nacido en Omealca (Veracruz) en 1956, Montalvo trabajó desde muy temprana edad en reconocidos talleres de México e Italia en donde adquirió conocimientos en tipografía y artes gráficas que serían fundamentales durante toda su trayectoria profesional. Su obra se ha presentado en países como México, España, Brasil, Japón, Canadá, Polonia y Estados Unidos. Ha recibido múltiples reconocimientos, entre los que destacan el Premio Willy de Majo otorgado por la Bienal Internacional del Cartel en México, el Premio Mexicano de Diseño que otorga la Academia Mexicana de Diseño y la Medalla al Mérito en Artes del Congreso de la Ciudad de México. Desde hace varias décadas combina su labor creativa con la docencia en instituciones como la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la Universidad de las Américas Puebla.

La exposición esta programada para estar abierta al público del 29 de enero al 26 de abril del 2024 en un horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas.

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Presencia mexicana en la exposición "Antes de América" en la Fundación Juan March en Madrid

El Instituto Cultural de México en España presentó, dentro de su hoja informativa que edita con frecuencia, la siguiente comunicación que nos ha parecido de sumo interés: El pasado 6 de octubre se inauguró en la Fundación Juan March la exposición "Antes de América. Fuentes originarias de la cultura moderna". La exposición ilustra un largo proceso basado en fuentes que se remontan a mucho antes de que los europeos bautizaran como América a todo un continente y cuenta con la obra de artistas mexicanos como Diego Rivera, Rufino Tamayo, Lola Cueto, Carlos Mérida o Demián Flores. La exposición se puede visitar hasta el 10 de marzo de 2024.

Efectivamente, ya lleva varias semanas la muestra titulada "Antes de América. Fuentes originarias de la cultura moderna"  exhibiéndose en las instalaciones de la Fundación Juan March ubicadas en el número 77 de la calle Castelló, cerca de la estación de metro Núñez de Balboa en la capital española.

En la propia página de la exposición dentro del Portal de la Fundación Juan March, nos encontramos con este texto introductorio que nos habla de lo que podremos encontrar en la muestra:

Esta exposición ilustra un largo proceso basado en fuentes que se remontan a mucho antes de que los europeos bautizaran como América a todo un continente: el de la reinterpretación, en la cultura moderna y contemporánea, de las formas y significados de las antiguas civilizaciones y culturas indígenas, desde Alaska hasta la Patagonia. 

La muestra comienza en el siglo XVIII, documentando las expediciones científicas y los descubrimientos arqueológicos, la formación de las primeras colecciones y la arquitectura historicista. Continúa tratando aquella dimensión identitaria americanista que, a principios del siglo XX, reinterpretó los saberes y lenguajes precolombinos en materiales destinados a la educación escolar y dio origen a las escuelas de artes y oficios, transformando el diseño gráfico, la literatura, el teatro, el cine, la música y la moda. Aborda también las propuestas plásticas que, a mediados del siglo pasado, recuperaron o inventaron “lo ancestral”, cuando nuevos “artistas viajeros” se aventuraron hacia América y la exploraron, coleccionaron sus hallazgos y los registraron con dibujos y fotografías que impregnaron sus propias obras. 

La exposición se extiende hasta la actualidad, revelando cómo el paradigma amerindio en todo el mundo parece no dar muestras de cansancio: pervive en el uso consciente de la geometría y del color, en la cita crítica o irónica del pasado, en la performance, las arquitecturas posmodernas de raíz indígena, el kitsch intencionado, el refinamiento del arte conceptual, los nuevos comportamientos artísticos y la sofisticada renovación de artes y oficios milenarios, ahora cargados de nuevos sentidos político-sociales y estéticos.

La exposición puede verse hasta el 10 de marzo del 2024 en los siguientes horarios: de lunes a sábado de 11:00 a 20:00 horas y los domingos de 10:00 a 14:00 horas. La entrada es gratuita.

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El proyecto "Creadoras en red" de cinco artistas mexicanas se presentará este mes en Málaga

Para el próximo 20 de enero del 2024 se anuncia la inauguración de la exposición colectiva "Voces a través del mar" que presentan cinco artistas mexicanas en la Galería Nancy Vallejo de la academia “El Taller de Frida” en Málaga, España, un espacio abierto al público desde octubre del 2019 dedicado a incentivar quehaceres artísticos por medio de su academia y que se ha convertido en un centro para la difusión de artistas de ascendencia mexicana con su galería de arte.

Será a partir de las 19:00 horas en las instalaciones de la galería, ubicada en la confluencia de las calles Gerona y Grillo de Málaga capital, cuando los trabajos de las creadoras mexicanas Karmele Rodríguez, Celeste Jaime, Yuki Pastrana, Laura Aranda y Lara Noz podrán ser vistos por el público español. La muestra está constituida por cinco proyectos que incluyen varias piezas como fotografías, pinturas e ilustraciones que abordan temáticas enfocadas en el género, las mujeres, la naturaleza, el territorio, el pensamiento y los saberes, el espacio exterior y la vida.

A principios del 2023 ya se anunciaba en México la realización de la segunda edición de Creadoras en Red:

Con el objetivo de fortalecer el trabajo de mujeres artistas, RedLab Laboratorio de Gestión y Vinculación Cultural lanza la segunda edición de Creadoras en Red. 

Esta iniciativa dirigida a mujeres mexicanas creadoras, brinda un acompañamiento durante cinco meses por parte de un equipo multidisciplinario, a todas aquellas artistas interesadas, cuyo trabajo se enmarque en las artes plásticas, artes visuales o artes multimedia. 

Dentro de los beneficios que ofrece Creadoras en Red se se encuentran la difusión de su trabajo por diversas plataformas; elaboración y diseño de la semblanza, dossier y catálogo de venta de la artista; asesorías en relación a la venta y avalúo de obra, estrategias de venta y manejo de sus redes sociales; exposiciones y venta en bazares así como la participación en charlas y vinculación con una galería ubicada en Málaga, España.

La exposición podrá ser vista en la Galería Nancy Vallejo de "El taller de Frida" en la calle Gerona esquina con Grillo en capital de la Costa del Sol hasta el próximo 20 de febrero del 2024 en un horario de lunes a viernes de 16:30 a 20:30 horas.

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