La artista mexicana Tania Candiani presenta en el IVAM de Valencia la exposición "Radix"

¿Qué ocurriría si un museo permitiera asomar la mirada bajo tierra? ¿Si, al girar de una esquina, emergiera un mundo oculto, complejo y vibrante, normalmente relegado a la invisibilidad? Radix propone esa posibilidad a través de una fabulación ecológica que desplaza la mirada hacia las profundidades de la historia, la cultura y las memorias del subsuelo. La sala expositiva es transformada arquitectónicamente para adoptar una geometría suave y radial, inspirada en el corte transversal de una estructura vegetal encontrado en un libro del Jardín Botánico de Valencia.

Desde el pasado mes de abril y hasta el próximo 20 de septiembre del 2026 se está presentando en la planta B del Centro Julio González del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) la exposición Radix de la artista mexicana Tania Candiani. La exposición crea un sistema multisensorial en el que ningún elemento se presenta aislado. Esculturas, sonido, luz, materia viva, imágenes y arquitectura envuelven al visitante y lo invitan a habitar el espacio. Radix se puede ver de martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas en el número 118 de la calle Guillem de Castro de la ciudad de Valencia. El acceso es gratuito los domingos durante todo el día y las tardes de los miércoles de 16:00 a 19:00 horas.

En la enciclopedia digital Wikipedia podemos encontrar los siguientes apuntes biográficos de la artista mexicana: 

Tania Candiani nació en 1974 en la Ciudad de México. A diferencia de otros artistas de su generación, no siguió una trayectoria académica convencional en las artes visuales; en cambio, su formación fue autodidacta, construida a partir de proyectos editoriales, colaboraciones interdisciplinarias y residencias artísticas.

En 2011, recibió la Beca Guggenheim en Bellas Artes; en la categoría de Artes Visuales. Durante su período de beca, trabajó en un proyecto que exploraba la interconexión de la construcción de nuestros hogares, prendas de vestir y autoidentidades. 

Candiani ha mostrado su trabajo en todo el mundo, incluyendo el Meno Parkas Galerija en Lituania, Kunsthaus Miami en Florida y el Museo de Arte Contemporáneo en San Diego, y su trabajo está en manos de museos como el Centro Cultural Tijuana, el Museo Mexicano en San Francisco y el Museo de Arte Latinoamericano en Los Ángeles. Su primera exposición en solitario en el museo fue Cinco variaciones sobre circunstancias fónicas y una pausa en el Laboratorio de Arte Alameda en la Ciudad de México 2012. Su trabajo fue seleccionado para el Pabellón Mexicano en la Bienal de Venecia de 2015 junto con el artista Luis Felipe Ortega. En 2019, participó en la sección "Plataforma" del Armory Show con su trabajo de 2019 Reverencia. 

Fue residente de un programa internacional de estudio y curaduría en 2010, patrocinado por FONCA - Fondo National para la Cultura y las Artes. En 2018, fue artista visitante y becaria en la Universidad Estatal de Arizona. Desde 2021 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México y participó en el programa Arts at CERN, en Suiza, donde dialogó con científicos sobre la relación entre arte y ciencia. Consolidando su posición como una de las artistas mexicanas con mayor proyección internacional.

La exposición podrá verse en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) hasta el próximo 20 de septiembre, de martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas en el número 118 de la calle Guillem de Castro de la ciudad de Valencia.

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"Bateas novohispanas, una encrucijada cultural" se exhibe en el Museo de América en Madrid

Si nos atenemos a la definición que propone internet, ésta sería: Las bateas novohispanas son bandejas o platos grandes de madera de una sola pieza, decorados con la técnica tradicional del maque o laca. Elaboradas principalmente por manos indígenas (destacando el pueblo purépecha), estas piezas combinan el pasado prehispánico con influencias asiáticas y europeas, y se usaban en los ajuares de élite y de las mujeres virreinales como símbolo de estatus.

Pues bien, desde el pasado 21 de mayo se está exhibiendo en el Museo de América de Madrid la exposición "Bateas novohispanas, una encrucijada cultural". Se trata de una muestra de 15 piezas de la Nueva España, preciosamente decoradas, de entre las que destaca una excepcional batea elaborada en Pátzcuaro, Michoacán. Y aunque todavía estarán expuestas hasta el próximo 18 de octubre, a lo largo de estos meses, y sólo en determinados días, se ofrecen visitas guiadas con entrada gratuita previo registro de inscripción.  Las fechas se irán publicando en la página de la exposición.

En la página correspondiente de la exposición, podemos encontrar mucha e interesante información acerca de esta exhibición:

El Museo de América conserva una colección extraordinaria de bateas lacadas novohispanas. El origen y significado de estas piezas ha sido investigado en profundidad por Adrián Contreras, docente en la Universidad de Granada y comisario de nuestra próxima exposición temporal: "Bateas novohispanas. Una encrucijada cultural". 

Al trabajo de Adrián Contreras debemos no solo la puesta en valor de una tipología artística singular, sino también la identificación y contextualización de la diversidad y especificidad de los principales centros productivos, como Uruapan, Peribán, Pátzcuaro u Olinalá, en México, junto a la novedosa propuesta de incorporar a Yucatán a este mapa de producción de lacas novohispanas. 

América fue un importante centro de creación artística con continuidad desde épocas prehispánicas. En los territorios hispanos surgieron producciones originales fruto de la combinación de tradiciones indígenas y nuevas influencias orientales y occidentales, utilizando materiales y técnicas propias. Muchas de estas obras, destinadas a élites, incluyen cerámicas (como los búcaros), mobiliario destacado, biombos de inspiración asiática y manifestaciones novohispanas como las pinturas enconchadas. 

Las bateas lacadas novohispanas, elaboradas por artesanos indígenas, destacan por su calidad técnica y valor estético, siendo objetos asociados principalmente al ajuar femenino. La técnica de la laca, de origen prehispánico, se transformó tras el contacto con influencias asiáticas hacia la creación de piezas más resistentes, decoradas y de carácter lujoso. Aunque se conservan sobre todo ejemplos complejos y refinados, también debieron existir versiones más sencillas accesibles a otros grupos sociales. 

La exposición del Museo de América supone un referente clave para entender las bateas lacadas, no solo como objetos decorativos, sino como piezas con profundo significado histórico, social y artístico. El catálogo, coordinado por Adrián Contreras y enriquecido con aportaciones de especialistas, incluye estudios técnicos y materiales, consolidándose como una obra fundamental para el estudio de la laca novohispana.

Les recordamos que el Museo de América se encuentra ubicado en el número 6 de la Avenida Reyes Católicos, a pocos pasos de la estación de metro Moncloa en Madrid. La exposición estará abierta hasta el 18 de octubre del 2026 y, en determinados días de los meses de agosto, septiembre y octubre, hay programadas visitas guiadas gratuitas que necesitan de inscripción previa. Mas información en éste enlace.

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Recuerdos del Mundial México 86 (40 años ha...) en Casa de México en España con Annie Leibovitz

Se dice fácil, pero ya han pasado cuarenta años desde aquel mundial de fútbol que protagonizó nuestro país. "México 86" se convirtió en un cántico que unió a chicos y grandes con las voces de los Hermanos Zavala interpretando el tema de Juan Carlos Abara. Y así como la música unió a todo un país, las imágenes de una excelente fotógrafa norteamericana Annie Leibovitz capturaron la esencia del futbol en el entorno mexicano y una de sus imágenes se convirtió en el cartel oficial de la justa deportiva de ese año.

Pues bien, ahora que estamos inmersos en el Mundial del 2026 (en el que también está involucrado México con un tercio del protagonismo) la Casa de México en España presenta una exposición curada por Héctor Orozco "México 86. El mundo unido por un balón" con 13 de las icónicas imágenes que la fotógrafa Annie Leibovitz registró con su lente hace más de cuarenta años. Y ellas se podrán ver de manera gratuita hasta el próximo 20 de septiembre del 2026.

En la nota de prensa que emitió la Casa de México en España podemos encontrar un texto que nos habla de la importancia de ese Mundial de México 86: 

El Mundial de 1986 se celebró en México entre mayo y junio, convirtiéndose en la segunda Copa del Mundo organizada por el país. Originalmente la sede sería Colombia, pero su renuncia por diversos motivos llevó a la FIFA a elegir a México, que ya contaba con infraestructura y experiencia tras organizar el torneo de 1970. Por ello fue elegido anfitrión y terminó convirtiéndose en el primer país en organizar dos Copas del Mundo masculinas. 

La competición se desarrolló en un contexto marcado por la recuperación del país tras el devastador terremoto de 1985 en Ciudad de México. La organización del torneo fue vista como una oportunidad para proyectar una imagen de resiliencia y capacidad ante el mundo. 

El torneo dejó momentos imborrables como el “Gol del Siglo” y la “Mano de Dios” en el partido entre Argentina e Inglaterra, disputado en el Estadio Azteca. Estos episodios consolidaron a México 1986 como una referencia cultural y deportiva del fútbol mundial. 

Con la Copa Mundial de 2026, México amplía ese récord histórico al convertirse en el primer país que alberga partidos de tres ediciones distintas del Mundial masculino: 1970, 1986 y 2026. 

La exposición estará abierta hasta el 20 de septiembre del 2026 en los horarios acostumbrados de la institución: lunes: 10:00 – 19:00 horas; de martes a sábado: 10:00 – 21:00 horas y los domingos: 10:00 – 14:00 horas. Les recordamos que la Casa de México en España se encuentra en el número 20 de la calle Alberto Aguilera, muy cerca de la estación San Bernardo del metro madrileño.

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La artista mexicana Manuela Solano expone en Sevilla su obra: "Alien Queen/Paraíso Extraño"

Desde el pasado 28 de mayo del 2026 se está exhibiendo en el Centro Andaluz de Arte Contermporáneo (CAAC) de Sevilla la primera exposición individual en España de la artista mexicana Manuela Solano Lozano titulada "Alien Queen /Paraiso Extraño". Se trata de 36 piezas de gran formato en las que plasma a una serie de personajes del ambiente pop como Cher, Nina Hagen, Pink, Nosferatu, Sinéad O'Connor, Mónica Naranjo, el John Connor de Terminator 2 y E.T. en versión drag, pintados directamente con sus manos a causa de una ceguera sobrevenida por una serie de negligencias médicas en su tratamiento del VIH.

La artista trabaja directamente con las manos, prescindiendo del pincel como herramienta mediadora. Esta técnica sitúa el contacto físico con los materiales en el centro de su práctica. ‘La artista se reafirma en la idea de la pintura como algo mental, donde el gesto adquiere toda su plenitud. Solano parte de su propia experiencia regresando al espectador imágenes colectivas transformadas y creando un nuevo repertorio de iconos para quienes crecieron con ellos’, destaca Gilberto González, subdirector artístico del CAAC y del C3A, en su texto para el catálogo de la exposición

En la página web de la Galería Travesía Cuatro nos encontramos con una serie de párrafos que nos hablan del perfil biográfico de esta artista mexicana:

Manuela Solano (1987, Ciudad de México) creció en Satélite –en el área metropolitana de la Ciudad de México– rodeada de iconos de la metrópoli mexicana e imágenes pop, y en una búsqueda tácita de encontrar elementos que mostraran su propia subjetividad. A lo largo de su vida, ha trabajado con instalación, video y pintura. Su práctica artística ha estado siempre atravesada por experiencias autobiográficas en la que los personajes y los espacios son una muestra de sus propios intereses, anhelos e inseguridades. A los 26 años perdió la vista como resultado de una serie de negligencias médicas en su tratamiento de VIH. Esta urgencia artística irreparable llevó a la artista a construir un método que le permitió volver a pintar: sin poder ver el resultado y soltando el perfeccionismo que le caracterizaba para explorar el color y la figuración como ejercicio desafiante. Trabajando con los dedos, el recuerdo y las charlas que avivan los detalles que habitan la memoria, Solano crea pinturas que trascienden la imagen y se adentran en la intimidad de las políticas de la identidad. 

Manuela Solano estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, en Ciudad de México. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y ha sido expuesta en Londres, São Paulo, Miami, Ciudad de México y Seúl, entre muchas otras ciudades. 

Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Alien Queen /Paraíso Extraño en el CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, España y en el Museo Tamayo, CDMX (2025); Egogénesis, Travesía Cuatro, Madrid, ESP (2025); Pijama, Peres Projects, Seoul, KO (2023); Ancestry, Carlos/Ishikawa, Londres, UK (2022); The Top of Each Ripple, Dundee Contemporary Arts, Dundee, UK (2022); I Still Look Like A Model, Carlos/Ishikawa, Londres, UK (2022); Manuel Solano: Jacuzzi, Kunsthalle Lissabon, Lisboa, PT (2021); Heliplaza, curada por João Mourão y Luís Silva, Pivô, São Paulo, BR (2021); Portraits, Peres Projects, Berlin, DE (2018); I Don’t Wanna Wait For Our Lives To Be Over, curada por Alex Gartenfeld, Institute of Contemporary Art ICA, Miami, EEUU (2018); Oronda, Open Forum, Berlin, DE (2018); PUNCHIS PUNCHIS PUNCHIS PUM PUM PUNCHIS PUNCHIS PUNCHIS, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, MX (2016); Inherent Vice | Manuel Solano, Galería Karen Huber, Ciudad de México, MX (2015). 

Ha participado en distintas exposiciones colectivas, siendo las más recientes Pintura Enojada, Travesía Cuatro CDMX, MX (2024); Soft Touch, Sultana Summer Set, Arles, FR (2023); An AIDS Walkthrough, curada por Eric Lerouge y Samuel Perea Diaz, we are village, Berlin, DE (2023); Futurismo, Mendes Wood DM, São Paulo, BR (2022); Every Moment Counts – AIDS and its Feelings, Henie Onstad Art Center, Høvikodden, NO (2022); Seized by the Left Hand, curada por Eoin Dara y Kim McAleese, Dundee, Contemporary Arts, Dundee, UK (2022); City Prince/sses, curada por Hugo Vitrani, Palais de Tokyo, Paris, FR (2019); Visual AIDS, PARTICIPANT INC, New York EEUU (2019). 

La artista vive y trabaja en Berlín, Alemania. 

La exposición puede verse hasta el próximo 8 de noviembre del 2026 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), localizado en el numero 2 de la calle Américo Vespucio en la Isla de la Cartuja en Sevilla capital; en horario de martes a sábado de 11:00 a 21:00 horas y los domingos de 10:00 a 15:30 horas.

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"Nube negra": instalación del artista mexicano Carlos Amorales en la Casa de México en España

Imaginen por un momento que de pronto aparecieran en el firmamento una bandada densa de más de treinta mil mariposas y polillas negras, de diferentes tamaños y que, luego de dar varias cabriolas en el aire, se fueran a posar en un espacio cubriéndolo casi por completo y no dejando ver apenas el  color original de las paredes y techo que la nube de insectos volátiles han ocupado de una manera impredecible, enigmática y, sobretodo, abrumadora.

Pues bien, desde el pasado 21 de mayo y hasta el próximo 13 de septiembre del 2026 se puede ver en las dependencias de la Casa de México en España la instalación artística titulada "Nube negra" del artista mexicano Carlos Amorales en donde "...treinta mil mariposas y polillas de trescientas diferentes especies de papel negro cortado con precisión se adhieren una por una cubriendo muros, techos y rincones. El resultado es una sensación de movimiento colectivo, efecto caótico y orgánico que transforma la arquitectura en un fenómeno natural imprevisible. Nube Negra es una instalación de gran formato que transforma el espacio en una experiencia envolvente."

En la nota de prensa elaborado por la propia Casa de México en España podemos leer, entre otras cosas, lo siguiente:

La obra podrá visitarse de forma gratuita desde el 21 de mayo hasta el 13 de septiembre, reafirmando el compromiso de la fundación con la difusión del arte mexicano contemporáneo en España. 

El proyecto tiene su origen en un pasaje de la novela Austerlitz (2001), de W. G. Sebald, el cual hace referencia a la descripción de Darwin sobre una bandada de mariposas tan densa que resultaba imposible encontrar un trozo de cielo vacío entre ellas. El texto describe también la fragilidad de las polillas las cuales, al extraviarse, se mantienen inmóviles, hasta exhalar el último aliento. Más adelante un soplo de aire las suelta y las echa a un rincón polvoriento. 

Esas imágenes, situadas en el umbral entre lo poético y lo inquietante, resonaron profundamente en el artista Carlos Amorales. Poco antes de visitar a su abuela— quizás por última vez—, Amorales leyó este texto. Aquella noche, sin poder dormir, imaginó una visión persistente: alguna bóveda infestada por mariposas negras, como una nube saturada, viva y en expansión. 

En Nube Negra, esa imagen cobra forma y habita el edificio de Fundación Casa de México en España. Treinta mil mariposas y polillas de trescientas diferentes especies de papel negro cortado con precisión se adhieren una por una cubriendo muros, techos y rincones. El resultado es una sensación de movimiento colectivo, efecto caótico y orgánico que transforma la arquitectura en un fenómeno natural imprevisible.

La cita es en la Casa de México en España ubicada en el número 20 de la calle Alberto Aguilera, muy cerca de la estación de metro San Bernardo en la capital española. La instalación puede verse de manera gratuita hasta el 13 de septiembre en el siguiente horario: los lunes de 10:00 a 19:00 horas; de martes a sábado, de 10:00 a 21:00 horas y los domingos de 10:00 a 14:00 horas.

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"Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la colección Vicky y Marcos Micha Levy" en Madrid

Sin lugar a dudas, el siglo XX en nuestro país dio origen a muchos y muy importantes movimientos artísticos que tuvieron por resultado grandes obras que han quedado inscritas en la posteridad. Nombres de artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Francisco Toledo o Miguel Covarrubias —por sólo mencionar unos cuantos— son artífices de un movimiento artístico trascendente que integró y consolidó el arte moderno de México y, en general, de Hispanoamérica.

Desde principios de marzo y hasta fines de este mes de mayo se puede ver en la Casa de México en España, la exposición "Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la Colección Vicky y Marcos Micha Levy" que integra una interesante muestra de cien obras de artistas plásticos mexicanos que, por primera vez, se exhiben en suelo europeo. Comisariada por Taiyana Pimentel Paradoa, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) esta exposición, ubicada en la primera planta de la institución, es ampliamente recomendable y, además, la entrada es gratuita.

En la página web de la propia pagina web de la Casa de México en España podemos leer el siguiente texto que nos adentra en los detalles de la exposición:

Rebeldías vanguardistas del Siglo XX. Obras de la colección Vicky y Marcos Micha Levy, es una exposición que explora los momentos críticos y las historias rebeldes que marcaron la construcción del arte moderno en América Latina, con especial atención a México. 

Curada por Taiyana Pimentel Paradoa, la muestra reúne por primera vez en Europa una selección de cien obras de algunos de los grandes artistas de México, como Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Saturnino Herrán, Miguel Covarrubias, Francisco Toledo y Mathias Goeritz, entre otros. La exhibición propone un diálogo entre creadores que contribuyeron de manera decisiva a la construcción de la modernidad artística en el país, a través de la mirada de uno de los coleccionistas más audaces de México, Marcos Micha Levy. 

A partir de perspectivas diversas, la muestra traza el curso estético del arte en el continente americano, desde las vanguardias mexicanas hasta los movimientos cinéticos y surrealistas latinoamericanos, con énfasis en el encuentro parisino de varios artistas del continente. Asimismo, se abre a la producción de artistas norteamericanos durante su paso por México, evidenciando los cruces culturales que definieron el panorama artístico del siglo XX. 

La exposición propone una revisión crítica de la historia del arte moderno en México y América Latina, recuperando y revalorando figuras clave cuya presencia ha sido limitada en los relatos tradicionales de las vanguardias.

Les recordamos que la exposición estará abierta hasta el 31 de mayo del 2026 en Casa de México en España ubicada en el número 20 de la calle Alberto Aguilera en Madrid con el siguiente horario: lunes de 10:00 a 19:00 horas, martes a sábado de 10:00 a 21:00 horas y domingos de 10:00 a 14:00 horas.

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La exposición "Radix" de la artista mexicana Tania Candiani se presenta en el IVAM de Valencia

A partir de este miércoles 29 de abril y hasta el 6 de septiembre del 2026 se podrá ver en la Galería número 3 del IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) la exposición "Radix" de la artista mexicana Tania Candiani. Esta muestra consiste en adentrarse en las profundidades del subsuelo y descubrir las infinitas posibilidades de diseño que las raíces de las plantas conforman como parte de su crecimiento natural. Tania nos abre las puertas de un mundo que se nos antojaba hasta ahora como oscuro e inimaginable.

Este proyecto, que invita al espectador a entrar en un sistema en transformación donde lo vivo y lo imaginado, lo científico y lo especulativo, el archivo y la fabulación, se entrelazan para ofrecer una lectura expandida del mundo subterráneo, fue originalmente concebido y presentado en la Bienal de Helsinki bajo la curaduría de Blanca de la Torre y se desarrolla ahora en el IVAM como una pieza distinta, ampliada y reformulada.

En la enciclopedia virtual Wikipedia podemos encontrar los siguientes datos biográficos de la artista mexicana: 

Tania Candiani nació en 1974 en la Ciudad de México. A diferencia de otros artistas de su generación, no siguió una trayectoria académica convencional en las artes visuales; en cambio, su formación fue autodidacta, construida a partir de proyectos editoriales, colaboraciones interdisciplinarias y residencias artísticas. 

En 2011, recibió la Beca Guggenheim en Bellas Artes; en la categoría de Artes Visuales. Durante su período de beca, trabajó en un proyecto que exploraba la interconexión de la construcción de nuestros hogares, prendas de vestir y autoidentidades. 

Candiani ha mostrado su trabajo en todo el mundo, incluyendo el Meno Parkas Galerija en Lituania, Kunsthaus Miami en Florida y el Museo de Arte Contemporáneo en San Diego, y su trabajo está en manos de museos como el Centro Cultural Tijuana, el Museo Mexicano en San Francisco y el Museo de Arte Latinoamericano en Los Ángeles. Su primera exposición en solitario en el museo fue Cinco variaciones sobre circunstancias fónicas y una pausa en el Laboratorio de Arte Alameda en la Ciudad de México 2012. Su trabajo fue seleccionado para el Pabellón Mexicano en la Bienal de Venecia de 2015[5] junto con el artista Luis Felipe Ortega. En 2019, participó en la sección "Plataforma" del Armory Show con su trabajo de 2019 Reverencia. 

Fue residente de un programa internacional de estudio y curaduría en 2010, patrocinado por FONCA - Fondo National para la Cultura y las Artes. En 2018, fue artista visitante y becaria en la Universidad Estatal de Arizona. Desde 2021 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México y participó en el programa Arts at CERN, en Suiza, donde dialogó con científicos sobre la relación entre arte y ciencia. Consolidando su posición como una de las artistas mexicanas con mayor proyección internacional.

La exposición estará abierta hasta el 6 de septiembre del 2026. El Instituto Valenciano de Arte Moderno se encuentra ubicado en el número 118 de la calle Guillermo de Castro en la ciudad española de Valencia, en horario de martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas. Los lunes está cerrado.

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“América. Visiones nuevas desde el viejo mundo” del artista Demián Flores en el ICME en Madrid

Desde el pasado martes 21 de abril del 2026 se está exhibiendo en las instalaciones del Instituto Cultural de México en España la exposición "América. Visiones nuevas desde el viejo mundo" del artista oaxaqueño Demián Flores. Se trata de una serie amplia de obra gráfica que retoma ilustraciones del siglo XVI y las transforma para lograr imágenes personales que establecen una propuesta creativa. La exposición podrá verse hasta el 5 de junio del 2026 en la Carrera de San Jerónimo número 46, justo enfrente del Congreso de los Diputados en la capital española. 

“América. Visiones nuevas desde el viejo mundo” es la continuación de un primer proyecto de obra gráfica de Demián Flores titulado “Los desastres colaterales”, serie de ochenta y tres estampas publicadas en el año 2012, para las cuales utilizó como base “Los desastres de la guerra” de Francisco de Goya. En esta ocasión, Demián entrega un nuevo cuerpo de cuarenta obras gráficas, divididas en tres series: “El buen salvaje”, “Antropofagia y “La destrucción de las Indias”. Obra que abreva en las ilustraciones de Theodor De Bry, un editor y grabador del siglo XVI originario de Lieja en la actual Bélgica, quien realizó una basta producción de estampas sobre el continente americano sin haber viajado jamás a dichos territorios.

En la enciclopedia virtual Wikipedia nos encontramos con los siguientes apuntes biográficos de este artista plástico mexicano:

Demián Flores Cortés 
(Juchitán de Zaragoza, Oaxaca; 1971) 
Es un artista contemporáneo mexicano que trabaja en diferentes medios de arte. Ha trabajado en artes gráficas, pintura, serigrafía y más trabajos que mezclan imágenes de su infancia en Juchitán con imágenes relacionadas con la Ciudad de México moderna. Su trabajo es asociado con dos talleres artesanales encontrados en Oaxaca llamado “La Curtiduría” y el taller “Gráfica Actual”. Este trabajo trata el Conflicto magisterial de Oaxaca y la restauración de una iglesia del siglo XVIII. Su trabajo ha sido exhibido en el América y Europa 

Les recordamos que la muestra estará abierta hasta el 5 de junio del 2026 en las dependencias del ICME ubicadas en el número 46 de la Carrera de San Jerónimo, a unos pasos de la fuente de Neptuno en el Paseo del Prado en Madrid, en horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas.

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"El tiempo de Alicia" del fotógrafo mexicano Santiago García Galván estará en Zalamea La Real

El próximo viernes 6 de marzo del 2026 a las 20:00 horas tendrá lugar, en el Teatro Ruiz Tatay de la localidad onubense de Zalamea La Real, la inauguración de la exposición "El tiempo de Alicia" del  productor de cine, fotógrafo y empresario mexicano Santiago García Galván. La muestra recoge una serie de imágenes que el artista mexicano captó mientras se rodaba una película en Cuba, especialmente en la capital de la isla. La exposición estará abierta hasta el 20 de marzo del 2026 de lunes a viernes de 12 a 14 horas y por la tarde cuando el teatro tenga programadas actividades.

En “El tiempo de Alicia”, García Galván nos muestra a Alicia y al conejo, que deambulan por La Habana. A través de sus ojos, se descubren personajes entrañables que habitan la ciudad, momentos de ensueño, costumbres habaneras y esa magia cubana indescriptible que enamora. Esta exposición fotográfica captura momentos y los congela con perfecto paralelismo al tiempo suspendido de La Habana y resalta como todos los visitantes de Cuba tienen la fortuna caer por la madriguera de un conejo, donde Alicia los lleva de la mano a visitar un mundo que a veces es real y a veces un ideal maravilloso. Este es un relato contado por fotografías que revelan ideales, leyendas, instantes cubanos genuinos, valores, cultura e indudable belleza.

En la enciclopedia virtual Wikipedia nos encontramos con unos datos que nos hablan de su trayectoria profesional:

Santiago García Galván (Ciudad de México, 25 de julio de 1980) es productor de cine, fotógrafo y empresario mexicano. Ha producido y coproducido más de 80 títulos, incluyendo películas como La misma luna (2007) de Patricia Riggen; el documental Havanyork (2009) de Luciano Larobina; No sé si cortarme las venas o dejármelas largas (2013) de Manolo Caro; Desierto (2015) y Un cuento de circo & a love song (2016) de Demián Bichir; The Jesuit (2021) de Alfonso Pineda Ulloa; además de colaborar en producciones internacionales como Rápidos y Furiosos 8 (2017) con Vin Diesel y Dwayne Johnson y Transformers 5 (The last Knight)(2017) con Mark Wahlberg y Josh Duhamel, parte del rodaje de ambas películas se llevó a cabo en La Habana, Cuba, contribuyendo a una histórica colaboración cultural entre Estados Unidos y Cuba.

Les recordamos que la exposición estará abierta hasta el 20 de marzo del 2026 de lunes a viernes de 12 a 14 horas en el Teatro Ruiz Tatay de la localidad onubense  de Zalamea La Real

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Edith Ruiz gana en España el premio al mejor retrato en la VIII Bienal de Pintura al Pastel

Mucho se habla de la pintura al óleo, de la acuarela y del carbón, pero se habla mucho menos de la técnica de la pintura al pastel. Según la Wikipedia, "...el pastel es una técnica pictórica del grupo de las llamadas técnicas secas, que no utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo, a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela. Se puede aplicar con tiza seca y como soporte papel de buena calidad y gramaje, color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil como para que se pueda usar sobre otras superficies (cartón, madera, tela, etc)."

Pues bien, nos hemos enterado que en días pasados se dio a conocer el palmarés de la VIII Bienal Internacional de Pintura al Pastel que se llevó a cabo en la ciudad de Oviedo en Asturias, España. Y la ganadora del primer lugar ha sido para la pintora mexicana Edith Ruiz con la obra "Reina Valentina" que muestra la imagen de una niña con traje y corona reales, con un hiperrrealismo que  se confunde con la fotografía. La muestra con las obras ganadoras y demás participantes podrá visitarse en la Sala Trascorrales de Oviedo hasta el 1 de Marzo y después en León del 11 de Marzo al 17 de abril y finalmente en Alicante del 24 de abril al 7 de mayo.

En su propia página web podemos encontrar unos párrafos que nos hablan un poco de la trayectoria profesional de la pintora mexicana:

Edith Ruiz, nació en la Ciudad de México; titulada en la carrera de Ciencias de la Comunicación y procedente de una familia de artistas. Comenzó sus estudios profesionales de pintura en 2012 en Ciudad de México. Poco después se apasionó por la técnica al pastel y decidió viajar a España e Italia para tomar talleres de retrato impartidos por grandes maestros pastelistas europeos mundialmente reconocidos. Esta se ha convertido en una práctica constante y la maestra Ruiz continúa perfeccionando su técnica asistiendo periódicamente a talleres en el viejo continente. 

Por la calidad y detalle de sus pinturas, en 2015 fue seleccionada como miembro de dos importantes asociaciones internacionales del pastel: ASPAS – Pintores Pastelistas Españoles y PASIT Pastellisti Italiani (Asociación PASIT Pastel Italiano) de las cuales es miembro hasta la fecha. 

El realismo en la técnica pastel es la tendencia principal en sus pinturas, sin embargo, su obra se caracteriza por que logra transmitir la esencia y la luz de cada ser plasmado en el lienzo, lo cual hace que su obra ya esté en el gusto de la gente y se encuentre presente en colecciones privadas.

Al hacer un repaso de su obra que aparece publicada en su página web y en su perfil de Instagram nos encontramos con una muestra de la extraordinaria técnica que aplica esta artista en sus cuadros al pastel con un manejo del hiperrealismo comparable con la fotografía.

 Desde este modesto espacio le enviamos nuestra más cordial felicitación y nuestros deseos para que siga cosechando logros no sólo en los escenarios mexicanos., españoles sino también alrededor del mundo.

¡Muchas felicidades! 

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"Pero sigo siendo el Rey", exposición sobre el cantante guanajuatense José Alfredo Jiménez

En días pasados (19 de enero) se ha cumplido el primer centenario del nacimiento del actor, compositor y cantante guanajuatense José Alfredo Jiménez. Y por tal motivo, coincidiendo con la celebración de la Feria Internacional de Turismo de Madrid (FITUR) que este año ha tenido a México como País Socio, se ha montado una exposición/homenaje bautizada con una frase de identifica a una de sus composiciones más destacadas: "...pero sigo siendo el Rey". La exhibición ha sido montada en el Instituto Cultural de México en España, ubicada en la Carrera de San Jerónimo 46, justo enfrente del Congreso de los Diputados en Madrid y podrá verse hasta el próximo 13 de febrero del 2026

José Alfredo Jiménez Sandoval (Dolores Hidalgo, Guanajuato, 19 de enero de 1926 - Ciudad de México, 23 de noviembre de 1973), conocido también como el Rey de la Canción Ranchera o simplemente el Rey, fue un actor y cantautor mexicano. Fue el autor de temas representativos musicales de la música ranchera y el mariachi.

En la página web del Instituto Cultural de México en España, podemos encontrar una entrada dedicada a esta exposición y en ella el siguiente texto explicativo:

En el marco de la conmemoración del centenario del natalicio de José Alfredo Jiménez, el Estado de Guanajuato, México, rinde homenaje al genio compositor de la música mexicana, cuya obra ha trascendido fronteras, generaciones y lenguas para convertirse en una voz que acompaña a millones de personas en Iberoamérica y el mundo. 

Nacido en Dolores Hidalgo, Cuna de la Independencia Nacional, José Alfredo Jiménez es hoy un símbolo cultural de identidad, autenticidad y orgullo guanajuatense. Su legado musical, profundamente arraigado en el sentir del pueblo, dio voz al amor, al desamor, a la valentía y a la dignidad humana, configurando una narrativa que proyectó la esencia de México y Guanajuato en el imaginario cultural del mundo. 

La exposición “Pero sigo siendo El Rey”, celebra la figura del compositor, y reconoce su papel como filósofo del pueblo, embajador cultural permanente y máximo referente de la creatividad ranchera, una de las expresiones musicales más reconocibles de México. A través de esta muestra, Guanajuato reafirma su vocación artística, su riqueza histórica y su capacidad de dialogar con el mundo desde la cultura. 

Esta exposición es un homenaje y es, a la vez, un acto de memoria, de proyección internacional y una invitación a redescubrir su legado. Porque el mariachi y la música ranchera hacen vibrar a los mexicanos y al mundo entero, y en este género musical, José Alfredo es y seguirá siendo El Rey. 

Les recordamos que la exposición estará abierta hasta el 13 de febrero del 2026, en horarios de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas.

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Casa de México en España presenta la exposición Belenes de México hasta el 11 de Enero del 2026

¿Se imaginan ustedes un belén integrado en un Volkswagen sedan multicolor descapotable, en donde José y María van al frente y en el asiento posterior se pueden ver los tres Reyes Magos cargando sus regalos para el niño Jesús? Pues bien, a ésta sorprendente imagen habría que añadirle un par de ángeles que custodian la retaguardia del vehículo... Este y muchos otros pintorescos belenes son los que, desde el pasado 28 de noviembre se exhiben en la exposición "Belenes de México" que presenta la Casa de México en España de manera gratuita hasta el próximo 11 de enero del 2026.

Pero además de estos belenes curiosos y llamativos, la exposición presenta en la entrada de la institución un belén de monumental compuesto por nueve figuras de barro rojo de tamaño natural. Estas piezas fueron elaboradas por Alfonso Soteno Fernández miembro de una destacada familia de artesanos alfareros oriundos del municipio de Metepec en el Estado de México y que es conocido a nivel nacional por su cerámica.

En el boletín de prensa que emitió en su momento la Casa de México en España podemos encontrar información tan interesante como la que a continuación transcribimos:

Belenes de México, una instalación artística que busca difundir las tradiciones y el arte popular mexicanos. En esta ocasión destacando fechas importantes como la Navidad y el hábito compartido entre españoles y mexicanos de instalar belenes o nacimientos como se conocen en México. 

En esta edición, se rinde homenaje a la familia Soteno, un linaje de maestros artesanos originarios de Metepec. La exposición se presenta del 28 de noviembre de 2025 al 11 de enero de 2026. 

El belén principal, obra de Alfonso Soteno Fernández se conforma de nueve figuras de barro rojo modelado que miden más de 170 cm de altura, las cuales representan la escena tradicional del nacimiento de Cristo: la sagrada familia, los tres reyes magos y los animales que los acompañan. 

Conceptualizado por Cristina Faesler, diseñadora, narradora y escritora, este proyecto incluye una treintena de belenes realizados en diversas técnicas de arte popular como barro vidriado, palma tejida, barro modelado, madera policromada, cartonería, entre otros. Se complementa con un árbol de navidad de más de 4 metros de altura decorado con cactáceas y suculentas. El ambiente en tonos azules, simulando la noche, se obtiene con las más de 25 mil flores de papel que decoran la entrada.

Aunque ya quedan pocos días para poder admirar esta exposición, si tienes algún hueco en tu agenda y andas cerca de la Casa de México, te recomiendo que vayas aunque el 1 y el 6 de enero estará  cerrada y el 31 de diciembre sólo abrirá hasta las 14:00 horas. El resto de los días abrirá en su horario normal

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Imágenes de la artista mexicana de la lente Yolanda Andrade se muestran en "cedemequis".

Toda mi vida nací, crecí y viví llamándole al lugar donde vi la luz simplemente como el D.F. (Distrito Federal); pero desde hace unos años, a algunas mentes pensantes se les ocurrió que ese lugar debía ser rebautizado y conocido únicamente como Ciudad de México o por sus iniciales CDMX. Pues bien, con éste nombre: "cedemequis" se presenta desde fines del pasado mes de noviembre y hasta el próximo 14 de febrero del 2026 una muestra con trabajos fotográficos de la artista mexicana de la lente Yolanda Andrade en la Galería Memoria ubicada en la calle de Piamonte 19 en el centro de Madrid

cedemequis, exposición individual de Andrade en MEMORIA, reúne obras realizadas en Ciudad de México desde los años setenta hasta la primera década del siglo XXI. Sus recorridos diarios por locales tan conocidos como el Zócalo hasta rincones más periféricos como Tenango del Aire revelan la poesía cotidiana de lo banal y lo disruptivo, de lo individual y lo colectivo. Así, el espacio público se hace tanto campo de batalla entre intereses diversos y entre maneras de residir en el mundo, como palco para fenómenos culturales, expresiones de la intimidad o movimientos de resistencia a las dinámicas sociales de opresión.

Fotografía de Yolanda Andrade

Hablar de la trayectoria de la fotógrafa mexicana es enumerar una lista importante de reconocimientos y logros artísticos. En la propia web de la Galería Memoria, podemos leer unos párrafos que hablan precisamente de ello:

Entre otros reconocimientos, Yolanda Andrade ha recibido la Medalla de Bellas Artes de México en 2024. Además, ha participado en exposiciones colectivas e individuales en diversas instituciones como la Bienal de La Habana; El Museo del Barrio e International Center for Photography (ICP), Nueva York; Museo de Arte Moderno (MAM), Ciudad de México; la Fondation Bemberg, Toulouse; Hammer Museum, Los Angeles; Brooklyn Museum; o la Pinacoteca de São Paulo. 

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: El Museo del Barrio (Nueva York), Hammer Museum (Los Angeles), Getty Museum (Los Angeles), San Francisco MoMA (San Francisco), International Center for Photography (ICP - Nueva York), Princeton University Art Museum (Princeton), Colección del Congreso de Estados Unidos (Washington D.C.), Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC - Ciudad de México), Museum of Fine Arts (Houston), Museum of Contemporary Photography (Chicago), Santa Barbara Museum of Art (Santa Barbara), Colección Leticia and Stanislas Poniatowski Collection (Paris), Colección Mario Cáder-Frech (Miami), entre otras.

La exposición estará abierta hasta el próximo 14 de febrero del 2026 en las instalaciones de la Galería Memoria, ubicada en el numero 19 de la calle de Piamonte , a unos pasos de la Plaza de Las Salesas en el centro de Madrid.

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Se inaugura: "Ars Libris. Arte y libros en las colecciones de la Embajada de México en España"

Conocí a Eloy Barajas Martin hace más de 20 años cuando, iniciando la andadura del portal web Mexicanos en España, me puse en contacto con el Instituto Cultural de México en España para establecer nexos de comunicación. Desde entonces y hasta el pasado mes de febrero Eloy estuvo a cargo, entre otras muchas cosas, de la organización, cuidado y mejora de la Biblioteca Octavio Paz que atesora el acervo cultural de la Embajada de México en España. Y precisamente mañana se inaugura en sus instalaciones la exposición "Ars Libris. Arte y libros en las colecciones de la Embajada de México en España".

Desde el 20 de noviembre y hasta el 9 de enero del 2026 y curada por Diana Cuéllar Ledesma y Rodrigo Gutierrez Viñuales, en "Ars Libris" el público asistente podrá "...ver destacadas obras de arte moderno de la Embajada... así como también un homenaje y una invitación a conocer este centro de investigación, que está al servicio de los investigadores, bibliófilos y público general para su consulta".  La exposición cuenta con el apoyo del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En la propia página del evento dentro de la página del ICME nos encontramos con unos apuntes biográficos de los dos curadores de la muestra:

Diana Cuéllar Ledesma. Curadora, investigadora y profesora universitaria. Es profesora en la Universidad Iberoamericana de Puebla y del Máster PhotoEspaña. Desde 2023 colabora con el grupo de investigación “Vincular lo sagrado: corrientes espirituales en el arte latinoamericano y caribeño del siglo XX, 1920- 1970" en el Instituto Cisneros y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 2022 fue consultora de la editorial Phaidon para el libro ”Prime Art’s Next Generation". En 2023 asesoró a la misma editorial para el volumen "Artistas Latinoamericanos: de 1785 a la actualidad" en el que también participa como escritora. 

Rodrigo Gutiérrez Viñuales. Profesor, investigador y curador. Catedrático de Arte Latinoamericano en la Universidad de Granada. Miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes y la Academia Nacional de la Historia (Argentina). Autor de numerosos libros y ensayos sobre arte latinoamericano. Fue curador de las exposiciones “Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna” en la Fundación Juan March (2023-2024) y “Del Neo al Pop. Arquitectura contemporánea de raíz precolombina” en Casa de América (2024).

La exposición estará abierta del 20 de noviembre al 9 de enero del 2026 de lunes a viernes en un horario de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas. Les recordamos que el Instituto Cultural de México en España se encuentra en el número 46 de la Carrera de San Jerónimo justo enfrente del Congreso de los Diputados en el centro de Madrid.

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"La mitad del mundo. La mujer en el México indígena" se inauguró el 31 de octubre en Madrid

Desde el pasado viernes 31 de octubre se puede ver en el Museo Arqueológico Nacional en Madrid la exposición "La mitad del mundo. La mujer en el México indígena", una muestra que reúne más de 450 piezas traídas desde colecciones repartidas por todo México.  La exposición forma parte de un proyecto que tiene el objetivo de reforzar los vínculos culturales entre España y México, poniendo el foco en la importancia histórica de las culturas originarias y el papel fundamental de las mujeres en las comunidades indígenas. La muestra se enmarca en la celebración, durante 2025, del Año de la Mujer indígena en México.

La exposición comisariada por Karina Romero Blanco del  INAH de México ha sido organizada por el Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación de España, a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH), en colaboración con el Ministerio de Cultura de España, el Instituto Cervantes y la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB).

En la página del propio Museo Arqueológico Nacional (MAN) podemos encontrar el siguiente texto explicativo:

El Museo Arqueológico Nacional (MAN) presenta un avance de la exposición La mitad del mundo. La mujer en el México indígena, El ámbito humano, que se desarrolla a lo largo de cuatro instituciones culturales de la capital española: Casa de México, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Instituto Cervantes y el Museo Arqueológico Nacional. El avance que presentamos en el MAN permite contextualizar el discurso expositivo que se desarrolla en las otras tres sedes. 

En el MAN se muestran piezas procedentes de distintos museos y sitios arqueológicos de México, resultado de recientes investigaciones arqueológicas. La exposición profundiza en el contexto social de las mujeres indígenas desde época prehispánica, en el hogar, la comunidad, la esfera económica, ritual y funeraria, pero también en las posiciones de poder, resaltando su relevancia como madres, cuidadoras, proveedoras, sanadoras, tejedoras, chamanas, guardianas de saberes, guerreras y gobernantes. 

Desde la extraordinaria pareja de guerrera águila y guerrero jaguar de Tehuacán, Puebla, pareja escultórica seleccionada como imagen de la exposición del MAN, a las pequeñas terracotas olmecas que representan ancianas de la Costa del Golfo, la célebre sacerdotisa de Palenque, Chiapas, un portaincensario maya o el hallazgo escultórico de hace pocos años en Veracruz de la poderosa joven de Amajac, entre otras extraordinarias piezas, en la exposición se explica el protagonismo de las mujeres en las prácticas del cuidado, las tareas de mantenimiento, producciones como el tejido o la alfarería, los ciclos de edad y género con ritos de paso, del nacimiento a la muerte, los códigos de indumentaria y adorno de las mujeres de la élite, su papel en la esfera sagrada y funeraria; el linaje y las alianzas matrimoniales, base de acuerdos entre territorios o la participación en los sistemas de prestigio y de poder.

Las otras tres sedes madrileñas que acogerán parte de la exposición son el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que exhibirá la “Señora Tz’aka’ab Ahaw, la ‘Reina Roja’ de Palenque”, el ajuar funerario de esta histórica figura maya del siglo VII; la Casa de México en España, que en “El ámbito divino” aborda la espiritualidad y las prácticas rituales femeninas en distintas culturas originarias, y el Instituto Cervantes, con “Historias tejidas” dedicada a la producción textil como forma de expresión y transmisión cultural propia de las mujeres indígenas.

El Museo Arqueológico Nacional se encuentra en el número 13 de la calle Serrano, muy cerca de la céntrica Puerta de Alcalá con el siguiente horario: de martes a sábado de 9:30 a 20:00 horas y los domingos y días festivos de 9:30 a 15:00 horas. 

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El Ayuntamiento de Madrid se suma en 2025 al mexicanísimo Día de Muertos con cuatro altares

Hoy sábado, 1 de noviembre del 2025 se inicia propiamente lo que en México conocemos como el Día de Muertos, que abarca tanto el Día de todos los Santos (que se celebra hoy) como el Día de los Fieles Difuntos que se recuerda cada 2 día del onceavo mes del año (como sucederá mañana domingo). Es una fecha que se celebra no sólo en México, sino en muchas otras partes de Iberoamérica y prácticamente en todos aquellos lugares en donde se haya una colectividad de mexicanos deseosos de preservar sus costumbres y tradiciones. Y España no es ninguna excepción, al contrario, en muchas ciudades españolas podemos ser testigos de numerosos altares de muertos.

Llama sin embargo la atención que en la propia capital española el Ayuntamiento de Madrid haya dado a conocer la ubicación de cuatro altares de muertos para sumarse a la mexicanísima celebración del Día de Muertos. Éstos se pueden ver en:

Del 24 de octubre al 2 de noviembre: 

• Patio de operaciones de CentroCentro: 
  De martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas. 
  Plaza de Cibeles, 1. 

•  Centro Cultural Daoíz y Velarde. Zona del frontón (entrada por la calle del Alberche, esquina con la calle del Hoyuelo). 
  De lunes a domingo, de 11:00 a 20:00 h. Cerrado el miércoles 29 de octubre. Plaza de Daoíz y Velarde, 4. 

• Nave 12 de Matadero Madrid: 
  De lunes a domingo, de 11:00 a 20:00 h. 
  Paseo de la Chopera, 14. 

Del 27 de octubre al 16 de noviembre: 

• Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa (espacio María Dolores Pradera). 
  De martes a domingo, de 10:00 a 21:00 h. 
  Plaza de Colón, 4.

En la página de noticias del Ayuntamiento, en lo que se conoce como Diario de Madrid, encontramos una nota bastante amplia con información e imágenes de los altares de muertos, de la que hemos entresacado el siguiente texto: 

La celebración del Día de Muertos es una tradición ancestral, profundamente arraigada en la cultura mexicana, que simboliza el encuentro entre los vivos y los seres queridos difuntos desde la alegría y el recuerdo. Se festeja el 2 de noviembre, un día después de la fiesta católica de Todos Los Santos, porque los indígenas trasladaron la veneración de sus muertos al calendario cristiano. En el año 2003, la Unesco reconoció esta festividad como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

La ofrenda o altar de muertos transforma la nostalgia en celebración, simbolizando el regreso de los difuntos, por unas horas, para visitar a los vivos. Ellos los reciben con un ritual colorido y amoroso para disfrutar juntos de la comida y la fiesta, rindiendo homenaje a la memoria y convirtiendo el luto en alegría.

El altar de este año en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa lleva el nombre Luto por la humanidad y está dedicado a los derechos humanos, en reconocimiento a quienes proclamaron la Declaración Universal de Naciones Unidas en 1948, pero también a todos los que, por defenderlos, han muerto a lo largo de la historia, especialmente este último año. El altar quiere ser un acto de memoria y conciencia que invite a reflexionar sobre la fragilidad de la justicia, la libertad y la dignidad humana en un mundo sacudido por guerras, desigualdades, migraciones forzadas, represión y violencia.

Nos encanta dar a conocer estas expresiones de las tradiciones mexicanas que año con año se están convirtiendo en una costumbre y que de una u otra manera van ocupando un lugar en la cotidianidad en la geografía española.

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"La Muerte viva: México en España", programa del Dia de Muertos 2025 que presenta el ICME

Pues en un abrir y cerrar de ojos ya nos encontramos a fines del mes de octubre y a casi nada de terminar el año 2025. Para los mexicanos, desde principios del mes de noviembre con la festividad del Día de los Muertos y hasta culminar en el 2 de febrero con el Día de la Candelaria —o más bien el banquete tamalero— todo se nos va en mucha fiesta y harta celebración. Desde ya, los mexicanos en España comienzan a dar a conocer las actividades que con motivo del 2 de noviembre tendrán lugar en diferentes puntos de la geografía española.

Uno de ellos ha sido el Instituto Cultural de México en España quien nos presenta el Programa del Día de Muertos 2025 al que han bautizado como "La muerte Viva: México en España" y que comprende una serie de eventos repartidos en varios días y en diversas sedes diseminadas en distintos puntos de la capital española. Tendrá inicio el próximo lunes 27 de octubre y terminará el 8 de noviembre. El programa puede verse a continuación:

A continuación podemos ver el programa detallado del Programa de Día de Muertos 2025: "La Muerte viva: México en España"

En el marco del Día de Muertos 2025, el Instituto Cultural de México en España ha articulado un amplio programa de actividades que se realizarán tanto en la sede del Instituto, como en otros espacios culturales de Madrid. Asimismo, por primera ocasión, propone una Ruta de Altares con dos instituciones colaboradoras en donde se presentarán también altares de muertos: Casa de América y la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB). 

Instituto Cultural de México en España 
Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid, 28014 
Lunes 27 de octubre, 19.00 horas 

• Inauguración exposición "La muerte nuestra de cada día" del artista mexicano Miguel Ángel Corona "El Reynito". El artista mexicano realizará un performance en el marco de la inauguración de la exposición. 

• Inauguración Ofrenda Monumental de Muertos dedicada a los 700 años de la fundación de Tenochtitlán. El proyecto se realiza con la colaboración de la Secretaría de Turismo del Gobierno de la Ciudad de México. 

RUTA DE ALTARES: 

• Instituto Cultural de México en España 
  Ofrenda Monumental y exposición "La muerte nuestra de cada día". 
  Carrera de San Jerónimo, 46, Madrid. 
  28 de octubre al 07 de noviembre. 
  Lunes a domingo: 10.00 a 14.00 y 16.00 a 20.00 horas 

• Casa de América 
  Ofrenda poblana "La Abuela de Todos. Un homenaje a las Carmencitas". 
  Proyecto en colaboración con el Gobierno del estado de Puebla y The Americas Research Network (ARENET). 
  Plaza de Cibeles, s/n, Madrid. 
  29 de octubre al 08 de noviembre. 

• Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) 
  Ofrenda dedicada a la Mujer Indígena. 
  Paseo de Recoletos, 8, Madrid. 
  28 de octubre al 07 de noviembre. 

ACTIVIDADES PARALELAS: 

• Proyección de la película "Pedro Páramo" de Rodrigo Prieto. 
  Casa de América. 
  29 de octubre, 19.00 horas. 
  Entrada libre hasta completar aforo. 

• Taller "Crea tu propia calaverita literaria" con Elik Troconis. 
  Instituto Cultural de México en España. 
  31 de octubre, 19.00 horas. 
  Inscripciones al correo elikgtroconis@gmail.com

No hay pretexto para no disfrutar en Madrid de una celebración muy mexicana que desde hace muchos años nos congrega a todos los mexicanos.

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La exposición "Graciela Iturbide: España y México" sólo se estará presentando por 10 días en Oviedo

Sin lugar a dudas, es una de las fotógrafas mexicanas que más proyección mundial ha alcanzado con su obra. Poseedora de un exquisito ojo fotográfico, con el que ha plasmado verdaderas iconografías del México del Siglo XX, Graciela Iturbide está considerada como una creadora plástica que ha sabido capturar con su cámara la esencia del pueblo mexicano. Este año ha sido galardonada con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2025 y con tal motivo se está presentando una exposición con su obra en la Nave de los Cañones de la Fábrica de Armas de la Vega, en la ciudad de Oviedo, Asturias, España.

Del 16 al 25 de octubre del 2025 se podrá ver "Graciela Iturbide: España y México", y aunque ya lleva varios días abierta, no será sino hasta el próximo lunes 20 cuando la propia protagonista de la exposición la inaugure oficialmente en un acto de acceso exclusivo mediante invitación. Tras la visita, a las 19:30 horas, mantendrá un encuentro con el público en la Fábrica de Armas de La Vega, que estará moderado por el editor Ramón Reverté. Todo esto enmarcado dentro de las actividades que "...forman parte de la «Semana de los Premios», un programa cultural diseñado por la Fundación que incluye la participación de los galardonados con los Premios Princesa de Asturias en distintos actos los días previos a la ceremonia de entrega en el Teatro Campoamor."

En la edición digital del medio asturiano La Nueva España, podemos leer el siguiente texto del periodista Chus Neira, del que hemos extraído este par de párrafos:

Bajo el título «Graciela Iturbide: España y México», la Fundación Princesa de Asturias ha organizado una exposición en homenaje a la fotógrafa mexicana, Premio Princesa de Asturias de las Artes 2025, que incluye junto a algunas de sus obras más icónicas una selección de imágenes inéditas, muchas de ellas captadas en España. La exposición podrá visitarse del 16 al 25 de octubre en la Fábrica de Armas de La Vega, en Oviedo, en el marco de la Semana de los Premios. Su comisaria, Beatriz Mackenzie, ofrecerá una visita guiada el jueves, 16 de octubre, coincidiendo con su apertura. 

La muestra reúne 173 fotografías distribuidas en series que incluyen retratos de personajes y reflejan rituales de ambos países. Además, la exposición se completará con dos instalaciones concebidas especialmente para esta ocasión: un maizal, símbolo de la cultura compartida entre Asturias y México, y la obra audiovisual Rara avis, que evoca el universo simbólico de las aves, motivo recurrente en la obra de Iturbide. 

Si vives o te encuentras cerca de Oviedo, te animamos a que vayas a visitar esta interesante exposición de una de las fotógrafas mexicanas vivas con mas proyección internacional gracias a la calidad de las imágenes que ha ido capturando a lo largo de su amplia trayectoria artística.

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Todo el esplendor del cabaret mexicano en el altar de muertos 2025 de Casa de México en España

Ciertamente cada año nos sorprende la instalación que la Casa de México en España realiza, tanto en su fachada como en la escalera principal, con motivo del 1 y 2 de noviembre. Los altares de muertos son sencillamente espectaculares y llaman poderosamente la atención de todos los visitantes del centro, sean o no mexicanos. Desde el pasado 4 de octubre y hasta el próximo 9 de noviembre se podrá disfrutar de la octava edición de su altar de muertos, bautizado este año como: "Cabaret El Recuerdo", diseñado por el arquitecto mexicano Guillermo González.

"Cabaret El recuerdo", es el título del altar de muertos 2025 y está ambientado en el cabaret mexicano que tiene sus raíces en las primeras décadas del siglo XX, influenciado por el cabaret europeo, especialmente el francés y el alemán. El diseño y coordinación del altar está a cargo del arquitecto y diseñador mexicano Guillermo González, reconocido por su capacidad de transformar espacios en escenarios memorables llenos de magia, elegancia y originalidad. El altar cuenta con varias piezas destacadas por su elaboración en diversas técnicas de arte popular y su simbolismo: 12 catrinas vedets de tamaño real en la técnica de cartonería, 62 esferas de vidrio soplado, un candelabro de calacas y diablitos de cartonería y un tzompantli de más de 60 calaveras de acrílico.

En la propia página web de la Casa de México en España nos encontramos con unos apuntes que nos hablan de la trayectoria del creador de este Altar de muertos 2025:

Guillermo González 
(Ciudad de México, 1958) 
arquitecto y fotógrafo, con una trayectoria vinculada al diseño de espacios y la creación artística. 
Estudió Arquitectura en la Universidad Anáhuac y complementó su formación en fotografía en la Escuela Activa de Coyoacán. Su carrera se ha desarrollado en el ámbito del diseño de eventos y en la participación en exposiciones artísticas, donde combina su visión arquitectónica con su sensibilidad estética. Ha expuesto en diversas ocasiones en la Galería Oscar Román, donde destacan: Primera Profecía (2012–2013), Naturaleza en Extinción II (2014) y La Lotería II (2017), todas ellas muestras colectivas que reunieron a importantes artistas mexicanos contemporáneos. Además, ha publicado dos libros: Apuestas y certidumbres, en coautoría con Gabriela Saavedra y Adrián Burns, y Flores de asfalto. Lo que más disfruta de su labor es el proceso creativo de “vestir” un espacio y presenciar su transformación, esencia que lo define como creador y diseñador. Orgullosamente 100% mexicano, Guillermo González se ha consolidado como un artista que une arquitectura, fotografía y diseño en un mismo lenguaje expresivo.

El altar de muertos "Cabaret El Recuerdo" podrá verse hasta el 9 de noviembre del 2025 en las instalaciones de la Casa de México en España, ubicadas en el número 20 de la calle Alberto Aguilera, muy cerca de la estación del metro San Bernardo en Madrid.

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Casa de México en España presenta "Re/Generación" del artista mexicano de Pedro Lasch

Desde el pasado sábado 4 de octubre del 2025 se está presentando en las instalaciones de la Casa de México en España (Alberto Aguilera 20, Madrid) la exposición titulada "Re/Generación" una instalación de la serie "Black mirror/Espejo negro" del artista mexicano Pedro Lasch. En esta muestra se nos presenta una interesante propuesta plástica en la que se combinan figuras del México prehispánico con elementos modernos a manera de contrapunto visual. Cabe señalar que en 2015 la serie "Espejo negro" fue elegida como una de las siete exposiciones finalistas seleccionadas para representar a México en su pabellón de la Bienal de Venecia.

En su misión de mostrar lo mejor del arte y la cultura mexicana, Fundación Casa de México en España presenta Re/Generación una nueva instalación de la serie Black Mirror/Espejo Negro de Pedro Lasch, comisariada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH). Once esculturas mesoamericanas originales, antropomorfas y femeninas, aparecen aquí frente a siete espejos negros que muestran distintas imágenes relacionadas con la noción del género, haciendo surgir así nuevos espacios en común entre lo prehispánico, lo moderno y lo contemporáneo. Cada par de escultura e imagen presenta sus propios contenidos, colapsados por el espejo, reflejando y retornando también la mirada a los visitantes de la muestra.

La propia Casa de México en España nos ha proporcionado los siguientes datos biográficos del artista mexicano:

Pedro Lasch (Ciudad de México, 1975) es artista visual y profesor en la Universidad de Duke, Carolina del Norte. También es director y fundador del FHI Social Practice Lab y la Iniciativa de Investigación Artística, con el apoyo de la Mellon Foundation. 

Sus exposiciones individuales incluyen Open Routines (Queens Museum), Black Mirror/Espejo negro (Nasher Museum of Art), Abstract Nationalism/National Abstraction (The Phillips Collection), ART of the MOOC (Creative Time), Una propuesta escultórica para el Zócalo (Casa Wabi) y Políticas de la ficción (Espacio México, Montreal). 

También ha participado en muestras colectivas en espacios como el MoMA PS1 de Nueva York, la Hayward Gallery de Reino Unido, el Centro Nacional de las Artes en México o la 56 Bienal de Venecia, entre otros.

Lasch es autor de seis libros y su trabajo ha sido publicado en numerosos catálogos, periódicos y revistas, como The New York Times, October Magazine, Art Forum, El Universal o Reforma. 

Y su obra artística y pedagógica en línea ART of the MOOC (inglés-español) ha tenido, desde su lanzamiento en 2015, más de 82.000 participantes de 134 países.

La exposición estará abierta hasta el próximo 22 de febrero del 2026. La entrada es gratuita.

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